Mónica Prieto | Baldovi.Net

Mónica Prieto

Crítica de ‘La LEGO® Película 2’. En el LEGO mundo todo es fabuloso… ¿o quizás no?

Hace exactamente cinco años y un día que se estrenó la primera entrega de “La LEGO Película” (2014) y todo el mundo cantó y bailó al ritmo de ‘Todo es fabuloso’, porque, seamos sinceros y sinceras, Phil Lord y Christopher Miller (“Infiltrados en la universidad”, 2014) se embarcaron en un proyecto que podía resultar ser muy querido o muy odiado, nada de medias tintas. Por suerte para ellos, acabó siendo, tal y como predecía la cancioncilla de su banda sonora, ¡fabuloso! Y aquí estamos de nuevo, a viernes 8 de Febrero para revivir ese cachondeo desternillante con “La LEGO Película 2”.

En esta ocasión, toman el mando de la dirección Mike Mitchell (“Trolls”, 2016) y Trisha Gum, siendo este filme el primero que Gum co-dirige para la gran pantalla. A grandes rasgos, no se nota demasiado el cambio de dirección, pues la estructura sigue siendo la misma y la historia se desarrolla con el mismo sentido del humor descabellado. En el guion contamos con Raphael Bob-Waksberg (“BoJack Horseman”, 2014), Matthew Fogel (“Esta abuela es mi padre”, 2011), y cómo no, Phil Lord y Christopher Miller. Como veis los cambios en el equipo técnico, tampoco son tan notorios, al final acaba quedando todo en familia, entre Lord y Miller.

Obviamente, la música no podía ser menos “fabulosa”, así que repetimos experiencia con Mark Mothersbaugh y su “¡Todo es fabuloso!”. La canción es ñoña y todo lo que quieras, pero se pega como el chicle y es difícil retractarse de cantarla e, incluso, de bailarla ―no te preocupes, tienes mi permiso para sentir vergüenza ajena. Confieso que no soy especialmente fan de la música pop electrónica, pero es prácticamente todo lo que escuchas en este largo, así que más vale tomárselo con salero, nunca mejor dicho.

Sin embargo, ¡alarmarte no debes! Ya que la mejor cualidad de “La LEGO Película 2” es el entrelazamiento de diferentes filmes en uno solo dando lugar a una infinidad de guiños y menciones imposibles de recordar al completo al salir del cine. Encontramos una cafetería llamada “Coffee Unchained”, a un Batman más deprimido y botarate que nunca, velociraptores a doquier, viajes espaciales con un seudo Chris Pratt, etc… Es puro deleite para cualquier cinéfilo, siempre que te lo tomes con cachondeo, claro y te dejes transportar… A una ciudad fabulosa, completamente reconstruida que sufre un ataque por parte de unos alienígenas y acaban sumidos en la arena más desértica que exista al más puro estilo “Mad Max”, convirtiéndose en una ciudad distópica cañera que lucha por sobrevivir contra los alienígenas más cuquis y monos jamás vistos.

Ciertamente, no vamos a engañarnos, como ya he comentado al principio, esta segunda entrega sigue la misma línea y no se notan apenas los cambios de equipo técnico, ya que es difícil superarse cuando la primera entrega ya supuso un antes y un después en la animación. “La LEGO Película” fue una absoluta revolución del cine animado de la gran pantalla, combinando dos tramas distintas airosamente. Así pues en esta segunda entrega han querido continuar y recrear lo que ya se hizo. Considero que es digna de ver ya que es realmente entretenida y muy hilarante, pero, eso sí, no vayas esperando un milagro ni una LEGO sorpresa, ya que por ahora se les han acabado.

Baldómetro: 4/5

Lo mejor: El entramado de guiños y películas que se ven entremezcladas en una sola, además de su humor hilarante.

Lo peor: La posible previsibilidad de la trama, aunque ¡cuidado! Porque a veces algún personaje confunde a propósito.

Crítica de ‘Deadpool 2’. Marchando una de chimichangas más grandes para toda la familia.

¡Gracias, Ryan Reynolds! Muchísimas gracias, de verdad. Desde que se estrenó la primera entrega de esta magnífica e hilarante saga de Marvel el 14 de febrero de 2016, no he parado de pensar en ella ni un segundo. Y, por fin, después de dos años, tres meses y cuatro días, se estrena la segunda para deleitarnos, según el mismísimo Wade Wilson, con…¡chimichangas para toda la familia!

La dirección torna un cambio con la adición de David Leitch (‘Atómica’ (2017), ‘John Wick’ (2014)), mientras que el equipo guionista continúa siendo el mismo, Rhett Reese, Paul Wernick y, cómo no, Reynolds. Sin embargo, se percibe un cambio en el enfoque del guion y el desarrollo de la trama, ya que en la primera entrega contábamos con un cierta profundidad y un mayor desarrollo de los personajes.

En esta segunda, se da más importancia a las referencias musicales y cinematográficas, sobre todo, hacia el propio mundo de Marvel y DC, e, incluso, a película en sí. Estos guiños establecen una conexión entre Deadpool y los espectadores generando una complicidad desternillante. Cada escena que pasa, es mejor que la anterior; la historia sucede con ritmo y dinamismo y se centra principalmente en la gran depresión de Deadpool después de un devastador enfrentamiento que lo hunde y en la aparición de un nuevo personaje que viene del futuro y quiere matar a un mutante adolescente enfadado con el mundo.

Obviamente, todo esto viene acompañado de la maravillosa voz en off de Deadpool para darle aún más descaro y chulería a la trama. Pero la música no se queda corta para nada, porque Tyler Bates se encarga de acompañar los piños y las tonterías ingeniosas con las canciones adecuadas, siempre ofreciendo el toque musical adecuado para cada ocasión. Sobre todo, recomiendo muy mucho quedarse a ver el largo hasta el infinito y más allá, hasta que los créditos terminen ya que hay algunas canciones bonus divertidas y originales.

En definitiva, si eres un cinéfilo y quieres reírte constantemente, este título es de vista obligatoria sin duda alguna. Pero, eso sí, no hay que tomárselo en serio como si fuera una película de Lobezno, sino como un regalo hilarante que nos hace Ryan Reynolds para seguir redimiéndose tras habernos obligado a ver ‘Linterna verde’ (2011).

Baldómetro: Muy Buena 5/5

Lo mejor: ¡Todo! Aunque si hay que escoger… igual me decanto por las escenas extras escondidas en los créditos, ya me entenderéis cuando la veáis.

Lo peor: Quizás… lo débil y superficial que resulta la trama.

Crítica de ‘El aviso’. Raúl Arévalo pone todo su empeño en un filme claramente desorientado.

Este pasado viernes 24 de Marzo se estrenó en los cines españoles ‘El aviso’ con la dirección de Daniel Calparsoro (‘Cien años de perdón’, 2016), el cual está basado en la homónima novela del escritor español Paul Pen. Lamentablemente, parece que, en esta ocasión, Daniel Calparsoro no acaba de lograr una película cohesionada y sólida, ya que el guion es bastante confuso y ambicioso.

La trama se centra en Jon (Raúl Arévalo), cuyo amigo David se ve envuelto en el atraco de una gasolinera y acaba en coma tras recibir un disparo. Todo ello conduce a Jon a una espiral de obsesión insana sobre la extraña gasolinera donde se han ido repitiendo sucesos de distinta naturaleza, los cuales siempre acaban con el fallecimiento de una persona. En un primer instante, al ver el tráiler, parece que nos encontramos frente a una película de terror y
fenómenos paranormales, pero, de hecho, es completamente lo contrario: un thriller con aspiraciones de ciencia ficción.

Por suerte, Raúl Arévalo cuenta con la ayuda de sus compañeras de reparto Aura Garrido (‘La piel fría’, 2017) y Belén Cuesta (‘La llamada’, 2017),
las cuáles hacen un magnífico trabajo y son simplemente sublimes, y con el joven Hugo Arbués (‘Hierro’, 2009), sobre el cual recae un gran peso al ser co-protagonista.

A mí parecer, Arévalo se halla un tanto confuso con el guion de la película y la interiorización de su personaje, ya que parece que carezca de fuerza interpretativa. A pesar del trabajo y esfuerzo del elenco, poco se puede hacer si el guion no pone de su parte y más que ayudar, confunde. Jorge Guerricaechevarría y Patxi Amezcua fueron los encargados de desarrollar el guion para este filme partiendo de una adaptación que Chris Sparling
(‘Buried’, 2010) hizo de la novela de Paul Pen…

¿Os habéis perdido? Sería completamente plausible, ya que hay demasiados nombres involucrados en un guion cuya historia es terriblemente sofisticada. Antes, he mencionado al joven Hugo Arbués diciendo que es co-protagonista, ya que en este largometraje que, como ya he dicho aspira a ser un thriller de
ciencia ficción, nos presentan dos líneas temporales, la de Arévalo y la de Arbués, para presentarnos dos sucesos distintos que tienen lugar en un mismo sitio, la famosa gasolinera.

Para acabar, simplemente quiero comentar que, como mínimo, el guion no es del todo previsible y se va descubriendo todo lentamente, aunque probablemente sea más bien una consecuencia al presentar dos historias paralelas en dos líneas temporales distintas, pero le atribuiremos ese mérito al guion ni que sea.

Lo mejor: La interpretación de Aura Garrido, que destaca por encima de todas las demás junto a Hugo Arbués.

Lo peor: La gran confusión que presenta un guion con demasiadas aspiraciones y que acaba logrando confundir a Raúl Arévalo, el cual es un gran actor.

Baldómetro: 2/5 Mala

Crítica de ‘Errementari’. Querido De la Iglesia… ¡Martillazos de folclore vasco por un tubo!

Hasta hace poco, Paul Urkijo Alijo solamente nos había deleitado con cortometrajes como ‘El bosque negro’ (2014), una breve aventura folclore en el corazón de un bosque negro. Y ahora nos brinda la oportunidad de degustar ‘Errementari, el herrero y el diablo’, su debut en la gran pantalla como director y guionista, con la ayuda del apadrinaje de Álex de la Iglesia, cuyas influencias están presentes a lo largo de todo el largometraje como si se tratara de una obra suya. Cómo no, está basada en cuento popular infantil vasco, ‘Patxi errementaria’, al cual le han añadido pinceladas folclóricas y fantásticas desde un ángulo algo más maduro.

Hacemos una inmersión a un pueblo del País Vasco profundo tras haber pasado 10 años desde el desenlace de la Guerra Carlista de 1833, donde encontramos un herrero malévolo y loco, de cuya herrería emanan alaridos y gritos de desesperación. Si a esto, le sumamos un supuesto tesoro de oro carlista perdido y una niña sin padres con la cara marcada por el fuego, conseguimos una historia bien curiosa. Nos guían los actores y la actriz: Kandido Uranga (‘Bajo la piel del lobo’, 2017), el malvado herrero Patxi; Eneko Sagardoy (‘Handía’, 2017), el némesis demoníaco Sartael; Uma Bracaglia, la pequeña protagonista Usue; Gorka Aguinagalde (‘Fe de Etarras’, 2017), el posadero Tenientea; Ramón Agirre (‘Handía’, 2017), un trabajador del ministerio llamado Alfredo que quiere recuperar algo de gran valor.

Es sencillamente increíble el maravilloso reparto que completa este largo, principalmente, cabe destacar a nuestro némesis endemoniado, Eneko Sagardoy, quien el pasado sábado 3 de Febrero recibió el Goya al Mejor Actor Revelación por ‘Handía’. La cosa no queda ahí, sino que, además, Uma Bracaglia se estrena y debuta satisfactoriamente dejándonos a todos anonadados con su espléndida interpretación y mimetización del papel de la pequeña Usue.

El filme empieza con una voz en off narrando una historia acompañada de unas imágenes ilustraciones, como si de ‘Lobos de Arga’ (2011) se tratara. Curiosamente, la violencia se dispara desde el principio para mantener al público tras el suspense, jugando con los planos para enseñarnos lo estrictamente necesario y poco más. A medida que la trama se desarrolla, vamos conociendo a los personajes más a fondo y nos introducen en un mundo folclórico más inofensivo, donde los matices tétricos se van disipando hasta tomar forma hilarante.

Sorprende muy gratamente la caracterización y el maquillaje de los actores, ya que últimamente entre tanto CGI y 3D parece que se echa de menos encontrar transformaciones añejas de carácter humano y no informático. Para más inri, fue presentada en el Festival de Sitges del año pasado y galardonada con el Premio del Público en el Festival de cine de San Sebastián. En definitiva, a mí parecer es una buena apuesta cinematográfica si aprecias el trabajo de Álex de la Iglesia y eres fan de la fantasía y el folclore español.

Para acabar, os dejo un breve resumen del cuento en el que está basado ‘Errementari’: Patxi era un malvado herrero cuya alma fue reclamada por el infierno, y el mismísimo diablo decidió enviar a tres demonios para atraparla para toda la eternidad y que pagara por los pecados cometidos. Sin embargo, Patxi engañó a todos los súbditos del diablo y se libró de ir al infierno. Para cuando la muerte lo alcanzó por fin, el infierno no le abrió las puertas por sus horribles y maliciosas hazañas hechas en vida, así que probó suerte en el cielo. San Pedro lo rechazó, pero, por suerte, una anciana que lo conocía y entraba al cielo, convenció a San Pedro y al fin logró entrar.

Lo mejor: El elenco de actrices y actores que han dado vida al cuento ‘Patxi Errementari’ con la audaz frescura de Paul Urkijo Alijo, sobre todo, Uma Bracaglia y Eneko Sagardoy.

Lo peor: El final es postergado por muchos acontecimientos en cadena y puede ser algo tedioso, pero nada que no se pueda sobrellevar gracias a los toques hilarantes del guion.

Baldómetro: 4/5

Crítica de ‘El extranjero’. Nuestro querido Jackie Chan vuelve a repartir leña como nunca.

Creo que muchos esperábamos la vuelta de Jackie Chan a la gran pantalla, no lo veíamos desde que en 2011 interpretó el papel de Huang Xing en ‘1911’ y prestó su voz al Maestro Mono de ‘Kung Fu Panda 2’. En España, hacía ya siete años que no estrenábamos un filme que contara su presencia y sus increíbles habilidades.

Lo cierto es que parece que los años no pasan por este hombre, o más bien, no pasan por su destreza en las artes marciales, obviamente se le ve más mayor, pero es increíble que con sus 62 años continúe repartiendo leña, sin necesidad de dobles. En este nuevo largometraje nos encontramos frente a un thriller de acción basado en la novela ‘The Chinaman’ de Stephen Leather.

El encargado de dirigirlo es Martin Campbell (“Casino Royale”, “Linterna Verde”), quien ha concebido una película de acción bastante ajetreada y sin mucha pausa, ya que prácticamente desde el minuto cero nos lanzan de lleno a la acción y menuda manera de hacerlo: con un ataque terrorista. Así empieza todo, con una desafortunada bomba que ha plantado un grupo terrorista que se hace llamar el auténtico IRA que reaviva el terrorismo tras 19 años de inactividad.

La explosión se cobra la vida de la hija de Quan Ngoc Minh (Jackie Chan) y este desata su venganza en medio de un conflicto político que se teje entre el gobierno británico y el irlandés. El guion, a pesar de ser la arquetípica historia de venganza, conduce la trama de manera sorprendente con una interesante cantidad de giros que aportan ritmo y misterio a la evolución de la historia. Llega un punto en que no sabes de quién puedes confiar, ya que, para variar un poco, el guionista David Marconi nos ofrece un thriller de acción y venganza poco previsible.

Para todo ello, contamos con la interpretación de Pierce Brosnan (“Canción de Nueva York”) como el viceministro principal de Irlanda del Norte Liam Hennessy, poco convincente si se me permite, pero, si la veis en versión original podréis oír su acento nativo, más irlandés que nunca. También, figuran Charlie Murphy (“’71”), hermano de Eddie Murphy, y Katie Leung (“T2: Trainspotting”) como la hija de Jackie Chan (Fan). Lamentablemente, no destaca de manera notable ninguna actuación a excepción de la del mismísimo Chan.

Lo mejor: Como ya he dicho, pero voy a repetirme por gusto: ver a Jackie Chan repartiendo leña de nuevo.

Lo peor: Ver a Pierce Brosnan un tanto desaprovechado o fuera de lugar.

Baldómetro: No está mal 3/5

Crítica de ‘La batalla de los sexos’. Un partido que marcó la historia del feminismo.

A menudo, parece que los biopics quedan relegados a otro nivel sin recibir demasiada atención por el espectador medio ni tampoco demasiada promoción, pero no son tan diferentes de cualquier otra película, exceptuando el hecho de que realmente están basados en hechos reales. ‘La batalla de los sexos’, como su título bien indica, trata un tema controvertido y, desgraciadamente, muy presente aún hoy en día, que originó muchos debates sobre el feminismo y la igualdad de sexos.

Ambientada en el año 1973, cuenta la historia de la elocuente Billie Jean King (Emma Stone) de 29 años de edad, quien, además de ser una brillante tenista, era una revolucionaria que quería cambiar el mundo y la posición de las mujeres en la sociedad de aquél entonces. Por ello, se negó a participar en un torneo de tenis donde las mujeres recibían un premio 8 veces inferior al de los hombres y creó su propia liga femenina de tenis.

Principalmente, se centra en un partido de tenis que se celebró entre Billie Jean y Bobby Riggs (Steve Carell), un arrogante campeón retirado de 55 años que se creía imbatible a manos de mujeres tenistas. Tal partido fue considerado legendario ya que fue uno de los eventos deportivos televisado por la ABC de mayor audiencia de todos los tiempos, cuyo resultado debía determinar qué sexo era superior: ¿mujeres u hombres?

A efectos prácticos, en el filme no parece conseguirse una visión realista del conflicto, sino más bien una representación lejana y poco preocupada por el feminismo. Los encargados de dirigir este “debate” son Jonathan Dayton y Valerie Faris (‘Pequeña Miss Sunshine’, 2006 y ‘Ruby Sparks’, 2012), quienes suelen trabajar como pareja de dirección en todas sus obras.

El guion, a manos de Simon Beaufoy (‘Slumdog millionaire’, 2008), se centra sobre todo en la vida personal de Billie Jean y Bobby dando lugar a una trama romántica y sensiblera que parece dejar de lado el sueño feminista que supuestamente mueve la historia.

En definitiva, en ‘La batalla de los sexos’ topamos con una buena dirección y con un maravilloso reparto y caracterización, pero con un guion que pierde algo de fuerza a medida que avanza la trama.

Lo mejor: Steve Carell y su caricaturizado personaje, tal cual.

Lo peor: El tedioso avance de la trama debido a su azucarado romanticismo. ¿Qué hay del
feminismo?

Baldómetro: Regular 2/5

Crítica de ‘Blade Runner 2049’. Una secuela que da honor a su nombre.

¡Ya está aquí! Por fin podemos disfrutar de la secuela de la magnífica cinta de culto ‘Blade Runner’ (1982), la cual marcó un antes y un después en el mundo cinematográfico, sobre todo, en el de la ciencia ficción. Creo que es certero decir que Ridley Scott (director) nos dejó a todos anonadados e hizo que algo cambiaría en nuestra visión del cine de aquél entonces.

Es sorprendente lo mucho que nos cuesta hoy en día aceptar una secuela y aplaudirla como tal, y es que, en ocasiones, no nos lo ponen fácil. Cada vez que se avecina la “tormenta” tenemos miedo e intentamos no crearnos expectativas, aunque siempre acabamos haciéndolo. No temáis, pues, ‘Blade Runner 2049’ ha llegado para honrar a su predecesora tal y como se merece.

En la actualidad, han pasado 35 años desde el estreno del primer filme y en la ficción de la trama han pasado 30 años (bastante verídico, ¿no creéis?). Nuevamente, el protagonista es un blade runner llamado K (Ryan Gosling), un agente que da caza a modelos antiguos de replicantes y que descubre una pista desconcertante que podría poner el mundo en entredicho. Este descubrimiento le lleva a desenterrar el pasado e intentar dar con el agente Rick Deckard (Harrison Ford).

Curiosamente, contamos con la actriz de reparto Ana de Armas, conocida en España principalmente por la serie ‘El internado’ (2007), quien interpreta a la preciosa compañera doméstica de K y no decepciona en absoluto. Por supuesto, no podemos olvidarnos de destacar al empresario invidente Wallace, el personaje que interpreta Jared Leto, ya que ha llevado a tal extremo su dedicación que para rodar sus escenas, se puso unas lentillas que le bloqueaban la visión completamente, dotando a su interpretación de un realismo incomparable.

En esta ocasión, contamos con la espléndida dirección de Denis Villeneuve cuyo trabajo hemos podido apreciar en ‘La llegada’ (2016), ‘Sicario’ (2015) o ‘Prisioneros’ (2013), y es que tiene un estilo que es destacable y notorio, ya que, servidora, nada más empezar el pase tuve una sensación nostálgica que me recordaba precisamente a ‘La llegada’. Sin embargo, esto no quiere decir que Ridley Scott no esté involucrado, al contrario, ha trabajado como director
ejecutivo de esta segunda parte, a pesar de que él inicialmente no había concebido ‘Blade Runner’ como el inicio de una saga.

También repite el guionista Hampton Fancher, el cual junto a Michael Green (‘Alien: Covenant’ (2017) y ‘Logan’ (2017) se han encargado de crear el
guion basándose de nuevo en la novela de Philip K. Dick  ‘¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?’ y también en una historia original del mismo Fancher.

Como era de esperar, Hans Zimmer también aporta su enorme granito de arena junto a su compañero Benjamin Wallfisch (‘It’ (2017)), quienes se encargan de la elección y composición musical. El trabajo de Zimmer está muy presente en este título, las piezas instrumentales graves con rompedores estruendos y de carácter tenso inundan las 2:45h que dura, prácticamente es su firma. Como en ‘Sicario’ (2015) o ‘Prisioneros’ (2013), Denis Villeneuve trabaja con Roger Deakins quien se encarga nuevamente de la fotografía logrando dotar a este filme de un realismo inmejorable.

En definitiva, se trata de un largometraje único y espectacular, con un reparto impresionante, el cual consigue que nos encariñemos y suframos con ellos, y un grandioso equipo que ha cuidado muy minuciosamente y con mucho amor todos los detalles y aspectos del filme.

Baldómetro: 4,5/5

Lo mejor: Disfrutar de una buena secuela en toda regla, digan de su predecesora.

Lo peor: La expectativa de un desenlace a bombo y platillo.

Crítica de ‘Bye, Bye Germany’. Érase una vez en la Alemania postnazi…

He aquí un título nuevo sobre la Alemania nazi (un tema bastante explotado en la gran y pequeña pantalla), con producción alemana y con estreno español el viernes 22 de Septiembre. Este filme más que tratar sobre Hitler, se centra en aquellos 4.000 judíos supervivientes al terrorífico imperio nazi que, a pesar de todo, decidieron quedarse en Alemania.

El director y guionista Sam Garbarski se ha basado en la novela ‘The traveling salesman’ de Michel Bergmann quien se inspiró en las experiencias de sus familiares durante la posguerra alemana. En este largometraje, principalmente, se intenta abordar la cuestión “¿por qué decidieron quedarse en el país?”, ya que nadie parece ser capaz de responder a esta incógnita.

Garbarski decide recuperar el estilo cinematográfico clásico y hacer una especie de “tributo” a los filmes arquetípicos de antaño combinando técnicas modernas. Dota a este título de un guión bastante ingenioso que mezcla homogéneamente los géneros del drama y la comedia logrando una especie de tragicomedia con mucho humor cínico (incluyendo chistes de todo tipo), romance, muerte y acción; para ello contamos con un protagonista bromista y su
séquito, una preciosa mujer, un antagonista repulsivo y un gracioso perro de tres patas.

Tras la Segunda Guerra Mundial (años 40), David Berman (Moritz Bleibtreu) se junta con seis hombres judíos con afán de trabajar y, sobre todo, de ganar dinero, para montar una empresa un tanto estafadora de venta de ropa de cama… Se dedican a buscar blancos fáciles comofamilias de difuntos recientes o familias alemanas con debilidad por los judíos para ganarse su favor y cerrar ventas. Es un grupo muy variopinto pero es curioso como cada cuál cumple una función dentro del guion, incluido el perro.

Paralelamente a este hilo, Berman es investigado por la agente especial (Antje Traue) de las fuerzas americanas al respecto de su pasado en los campos de concentración y su relación con el mandamás. Ciertamente, es una película entretenida y que despierta cierto cariño por ese halo clásico que la envuelve. Sin embargo, no se ha de olvidar el tema que ocupa y muestra al público, ya que por mucho que esté disfrazada de comedia, lo que se trata es verdaderamente serio y lamentable.

En alguna ocasión, sobre todo al comienzo, permite relajarse y reírse al compás del cinismo que los protagonistas presentan hasta que en algunas escenas la comedia se ve tornada en drama y llega a hacer mella, y eso es precisamente gracias a los actores y las actrices, ya que el elenco es absolutamente perfecto.

Baldómetro: No está mal 3/5

Lo mejor: El humor cínico, y el elenco muy acertada y delicadamente escogido.

Lo peor: La previsibilidad de guion y el posible aborrecimiento por el lento avance de la trama
principal.

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