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Crítica de ‘El extranjero’. Nuestro querido Jackie Chan vuelve a repartir leña como nunca.

Creo que muchos esperábamos la vuelta de Jackie Chan a la gran pantalla, no lo veíamos desde que en 2011 interpretó el papel de Huang Xing en ‘1911’ y prestó su voz al Maestro Mono de ‘Kung Fu Panda 2’. En España, hacía ya siete años que no estrenábamos un filme que contara su presencia y sus increíbles habilidades.

Lo cierto es que parece que los años no pasan por este hombre, o más bien, no pasan por su destreza en las artes marciales, obviamente se le ve más mayor, pero es increíble que con sus 62 años continúe repartiendo leña, sin necesidad de dobles. En este nuevo largometraje nos encontramos frente a un thriller de acción basado en la novela ‘The Chinaman’ de Stephen Leather.

El encargado de dirigirlo es Martin Campbell (“Casino Royale”, “Linterna Verde”), quien ha concebido una película de acción bastante ajetreada y sin mucha pausa, ya que prácticamente desde el minuto cero nos lanzan de lleno a la acción y menuda manera de hacerlo: con un ataque terrorista. Así empieza todo, con una desafortunada bomba que ha plantado un grupo terrorista que se hace llamar el auténtico IRA que reaviva el terrorismo tras 19 años de inactividad.

La explosión se cobra la vida de la hija de Quan Ngoc Minh (Jackie Chan) y este desata su venganza en medio de un conflicto político que se teje entre el gobierno británico y el irlandés. El guion, a pesar de ser la arquetípica historia de venganza, conduce la trama de manera sorprendente con una interesante cantidad de giros que aportan ritmo y misterio a la evolución de la historia. Llega un punto en que no sabes de quién puedes confiar, ya que, para variar un poco, el guionista David Marconi nos ofrece un thriller de acción y venganza poco previsible.

Para todo ello, contamos con la interpretación de Pierce Brosnan (“Canción de Nueva York”) como el viceministro principal de Irlanda del Norte Liam Hennessy, poco convincente si se me permite, pero, si la veis en versión original podréis oír su acento nativo, más irlandés que nunca. También, figuran Charlie Murphy (“’71”), hermano de Eddie Murphy, y Katie Leung (“T2: Trainspotting”) como la hija de Jackie Chan (Fan). Lamentablemente, no destaca de manera notable ninguna actuación a excepción de la del mismísimo Chan.

Lo mejor: Como ya he dicho, pero voy a repetirme por gusto: ver a Jackie Chan repartiendo leña de nuevo.

Lo peor: Ver a Pierce Brosnan un tanto desaprovechado o fuera de lugar.

Baldómetro: No está mal 3/5

Crítica de ‘Ferdinand’. Los creadores de ‘Ice Age’ presentan a un emotivo y tierno toro antisistema.

Las películas de animación siempre han sido catalogadas hacia un público más bien infantil, aunque la gran mayoría de ellas (y cada vez más) ofrecen un entretenimiento para todos los públicos, más allá del familiar. Además, a parte, de tener tramas sencillas que sean comprensibles para los más pequeños de la casa, incluyen mensajes morales y profundos que despiertan sentimientos escondidos a los adultos.

En el año 1936 de la mano del escritor Munro Leaf surgió la historia de un pequeño toro llamado Ferdinand que, con los años se convirtió en un clásico de la literatura infantil americana, hasta el punto que Disney desarrolló un cortometraje 2 años después que se hizo con la estatuilla dorada. Tal era la censura entonces que en España estuvo prohibido durante una larga temporada, por aquello de la dictadura. Varios años más tarde, el sello Blue Sky (‘Ice Age’ o ‘Rio’) ha creado una película basada en esta idea.

La historia se centra en Ferdinand, un novillo muy manso que prefiere sentarse bajo un árbol a oler flores y contemplar la naturaleza que saltar, resoplar y embestirse con otros. A medida que va creciendo y haciéndose más fuerte su temperamento no cambio y sigue igual de tranquilo, sin querer acabar en una plaza de toros. Hasta que un día su suerte se ve perturbada por un accidente y acaba siendo perseguido, pese a querer huir de su destino.

Lo primero que hay que destacar, valga la redundancia, es que esta película es un grito hacia la sociedad para que se acaben suprimiendo los toros en todos lados. Deja de manifiesto lo que sufre un animal sólo porque su destino (impuesto por el hombre) sea el de acabar en una plaza de toros mostrando un espectáculo para su posterior muerte en directo o acabar siendo fileteado en una fábrica. Cuando su destino debería ser el impuesto por la naturaleza, su libertad.

Otro mensaje es el de mostrar que hay que aceptar las diferencias que existen entre criaturas de una misma especie, cada uno es como es y no hay que dejarse llevar por cánones establecidos por una jerarquía de consumo. Pese a la positividad de las acciones y mensajes, se reiteran de manera innecesaria, ya que son el leitmotiv del film y constantemente van recalcando. Aunque está enfocada a los niños, es demasiado larga, le sobran unos 20 minutos tranquilamente.

Le salva el potente humor que desfila entre los diferentes personajes. Ahora bien, plasman muy bien las tradiciones españolas y son concisos a nivel geográfico, mostrando paisajes y conocidas ubicaciones de manera fiel y sin caer en “topicazos”. Lo que está bien logrado son las texturas, iluminación y movimiento de los personajes, todo creado con una técnica impresionante.

En definitiva, es un largometraje que entretiene, que muestra unos valores puros con un personaje tierno y simpático, pero que no acaba maravillando como quizás se esperaba.

Lo mejor: La manera en la que se trata un tema tan controvertido como es la tauromaquia y el folklore queda retractado sin caer en los “típicos estereotípicos” españoles.

Lo peor: Es demasiado larga para ser una película enfocada a un público infantil y su poca capacidad de innovación respecto al cortometraje.

Baldómetro: 3/5

 

Crítica de ‘Star Wars: Los últimos Jedi’. La gran chispa que enciende la esperanza de esta saga.

Con ‘Star Wars: El despertar de la fuerza’ (2015) tuvimos un chute de nostalgia a la hora de ver a nuestros antiguos héroes otra vez en pantalla grande, pero la nostalgia a veces es venenosa y no dejaba ver que los guiños y las referencias en la estructura eran un copy-paste que enturbiaban la experiencia. Pues bien, ahora ha llegado un señor llamado Rian Johnson que le ha dado a la vuelta a todo como si fuera un par de calcetines y ahora mismo sólo queremos correr desnudos con ellos.

Esta octava parte corrige, repara, sana (llamadlo como queráis) el posillo amargo que tenía la cinta de J.J.Abrams y nos brinda puro espectáculo al servicio de constantes e inesperados giros de guión, apariciones sorpresa que harán dar aplausos, conflictazos entre personajes y muchísima innovación dentro del Universo SW. Definición fácil: es una fusión de ‘El imperio contraataca’ y ‘El retorno del Jedi’.

En lo técnico nos encontramos con una dirección cuidada e inteligente que nos brinda secuencias de acción memorables (por el espacio, por tierra, duelos con sables láser…) y algún que otro plano digno de ser enmarcado que junto a la banda sonora de John Williams nos pondrá los pelos de punta. Por cierto, en esta ocasión el trabajo de Williams brilla más que en la anterior.

Eso sí, el guión tiene algunos detalles que chirrían un poco como alguna resolución patillera, una subtrama que se alarga o dispersa demasiado y ciertos tópicos del género, pero sabe lo que queremos ver, cómo lo queremos ver y nos proporciona la epicidad emocional necesaria para mantener la tensión de la trama. Además sabe usar bien el humor, palpable desde los primeros minutos o cuando retomamos la escena del final de el Despertar con Luke y Rey.

En lo que respecta al reparto destacar que Mark Hamill se entrega en cuerpo y alma al papel de Luke Skywalker, epicentro de esta entrega que básicamente gira en torno a la fuerza en dos grandes tramas: las conexiones entre quienes la portan (Kylo Ren-Rey) o el debate de para qué sirven los jedis haciendo tambalear algunos pilares de la saga original (Rey-Luke). Sin aburrir, sin distraer, sin dejar de flipar.

De Carrie Fisher poco se puede añadir salvo que da una inmensa pena recordar cada vez que aparece (sin saber si es CGI o no) que falleció las pasadas navidades. Hablando de CGI, destacar el trabajo hecho con el personaje de Snoke, ahora más imponente y peligroso que su versión holográfica de la primera. Oscar Isaac gana protagonismo, John Boyega anda un poco perdido y BB-8 sorprende por sus nuevas habilidades. ¡Ah! Los Porgs no dan por culo y encajan bien.

En definitiva, ante nosotros tenemos la mejor película de la saga con un brutal entretenimiento que hará disfrutar a los seguidores de la franquicia que agitarán excitados sus sablesláser y fascinará a los que sólo piensan que la fuerza sirve para levantar piedras. Ahora mismo lo tiene muy complicado Abrams para hacer que el ‘Episodio IX’ sea el broche de oro que todos deseamos.

Lo mejor: Los giros de guión y los descubrimientos tras ellos.

Lo peor: Cierta sub-trama que dispersa la atención principal.

Baldómetro: 5/5 Muy Buena

Crítica de ‘Coco’. Obra maestra animada que captura con colorido y sentimiento a la familia.

Cada vez que la compañía del ratón animado, Disney/Pixar, nos anuncia una película nueva esperamos de ella que acaben aflorando todas nuestras emociones, desde la alegría hasta la tristeza. Desde que se presentó el proyecto hace unos años, la expectación ha sido enorme, quizás algo superior a anteriores ocasiones debido a la dificultad que proponía al centrarse en el Día de Muertos, una tradición típica mexicana que se produce en lo que muchos conocemos como Halloween o Castañada, en función del territorio.

Se trata de la decimonovena película de la empresa, pero se empezó a desarrollar hace 7 años y su proyecto fue aprobado por John Lasseter (saga ‘Toy Story’ o ‘Cars’) antes de tener un guion. Miguel es un joven mejicano que sueña con convertirse en una leyenda de la música, aunque toda su familia va en contra y quiere que se dedique al negocio familiar. Su pasión lo llevará a adentrarse en la Tierra de los Muertos para descubrir su verdadero linaje.

Esta película es un festival de colores, música, humor, sentimientos, pero sobretodo un homenaje a aquellos que ya no están aquí y cómo la familia unida los recuerda. En su conjunto resulta una carta de amor hacia las tradiciones mejicanas, dando a conocer su folklore y cultura al mundo. La mayoría de escenas evocan emociones y su técnica sorprende, gracias a lo bien que encaja con la temática.

Toda esta paleta de luminosos colores casan a la perfección con la melodía que la acompaña y el perfecto equilibrio con las canciones, pese a tratarse de
un film de Disney y enfocado a la música, no peca en exceso de ellas. Por otra parte está el diseño de los personajes, creados con mucho mimo y cariño, muestran su faceta más tierna y hacen que uno desee tener una familia tan unida y completa.

Sin embargo, tengo que decir que quien más me ha cautivado es el perro que acompaña al protagonista; Dante es pura energía, aporta una magia única, alegría, fascinación y curiosidad, que dan la vida. Sin él la historia perdería fuerza, no es una simple mascota, se trata del entretenimiento que consigue ocultar las lágrimas en los momentos crudos. Eso sí, Miguel es un niño adorable y encantador, totalmente transparente que muestra su alma cuando toca (aunque la magia reside en la facilidad de Michael Giacchino para crear grandes composiciones casi sin despeinarse).

Pixar logra reconvertir su fórmula, aplicando las pinceladas que siempre le han funcionado en todos sus films y logrando mostrar un tema controvertido, como es la muerte, de manera simpática, sin otorgar miedo, ya que el Día de Muertos, no es una fiesta de zombies ni nada por el estilo. Además, su ambientación logra deshacer esos prejuicios y tabús, pasando a ser un espectáculo sin más dilación.

Aunque no todo es positivo, ya que en esta ocasión, el personaje malvado queda desdibujado y en un segundo plano sin llegar a profundizar demasiado y resolviendo el conflicto de manera poco espectacular. Para muchos el film recordara a otros del estudio y uno más, que intenta sacar las lágrimas sea como sea. Tal y como su director, Lee Unkrich (‘Monsters, Inc.’ o ‘Finding Nemo’) ya hizo con ‘Toy Story 3’. Además, pese a que inicialmente parecía una historia muy similar al film de animación producido por Guillermo del Toro (‘The Shape of Water’ o ‘Pacific Rim’), ‘El libro de la vida’ (2015) ha quedado demostrado que no tiene nada que ver, simplemente ambos tienen como leitmotiv la música y lo sobrenatural.

Si vamos más allá del guion del film, podemos entrever la crítica social hacia la importancia de la familia y el conflicto entre el país protagonista y el vecino, capitaneado por Trump. Reivindicando así los lazos existentes entre México y EEUU, con un mensaje implícito de hermandad especialmente en estos tiempos agitados.

Lo mejor: Los coloridos escenarios, el equilibrio entre música, sentimientos y historia. El carisma de los personajes es notable.

Lo peor: Pixar reinventa la fórmula, pero se traba al definir al personaje malvado.

Baldómetro: Muy buena 5/5

Crítica de ‘SAW VIII’. El juego del terror gore se reinicia sólo para los fanáticos de la saga.

Han pasado 7 años desde que se estrenó la última película de la saga ‘Saw’, la cual intentó innovar al realizar una puesta en escena dominada por efectos en 3D, pero acabó siendo un fiasco y dejando peor la reputación de las últimas entregas de la franquicia. Con el estreno de la octava se intenta recuperar la esencia original, ya no sólo a nivel de guion, también de personaje, al aparecer su creador (interpretado por Tobin Bell) muerto capítulos anteriores.

La historia se centrará en cinco personas que despiertan y se encuentran atrapadas en una habitación y serán víctimas de una serie de juegos macabros y sangrientos como castigo por los delitos que han cometido. Paralelamente, la policía y unos científicos forenses tratan de encontrar y capturar a un asesino, que va dejando cadáveres por la ciudad de una manera muy similar a los que realizaba Jigsaw (Puzzle). ¿Se tratará de un imitador o realmente no estaba muerto?

La película funciona bien, engancha con su trama y las perversas pruebas. Sin embargo, al final tiene un giro de guion bastante interesante, pero que se ejecuta terriblemente dejando una sensación de frialdad absoluta. Las trampas siguen la misma estética de las originales, debemos sumar que el hilo musical de fondo recupera los populares acordes, todo para desembocar en un cóctel gore más idóneo para un fanático de la saga que para cualquier otro espectador, que no verá justificadas las salpicaduras de sangre.

Ahora bien, así como la sexta entrega fue clasificada de X y aquí nos llegó censurada, en esta echamos bastante en falta el gore extremo, en varias ocasiones el plano se desvía y no deja ver los efectos de la casquería y la brutalidad con que James Wan (saga ‘Insidious’ o ‘Expediente Warren’) o Darren Lynn Bousman (‘Repo! The Genetic Opera’ o ‘Mother’s Day’) nos atraparon y (a algunos) enamoraron con su explicidad.

No estamos ante una de las peores de las ocho, pero denota falta de imaginación, sigue el mismo patrón y pese al intento de reflotar la saga, esta secuela sólo convencerá a los que realmente les gusta o fascina. Pese a que deberían haber cerrado el capítulo hace ya bastantes entregas, mientras la gallina de los huevo siga dando beneficios se seguirán haciendo productos pre-fabricados aptos para millenials con ganas de consumir cine comercial de terror con un cubo de palomitas, como pasa con la saga de ‘Fast & Furious’.

Además si son films económicos que no requieren mucho presupuesto, sólo les falta poner las piezas sobre la mesa y montarlas de manera más o menos graciosa. Parece ser que los directores de ‘Daybreakers’ o ‘Predestination’, los hermanos Spierig, han sabido sacarle jugo y salir más o menos airosos, aunque si realizan una próxima deberían no medir tanto las escenas de acción y dejar que la locura tome partido en la partida.

En definitiva, sólo es apta para fanáticos y aquellos que tengan curiosidad por el tipo de pruebas por los que han de pasar los participantes.

Lo mejor: El efecto nostálgico del conjunto y el final giro de guion que puedo sorprender y
pillar desprevenido.

Lo peor: No todo el mundo sabrá valorarla, ya que es para fans y no da genera apenas
novedad.

Baldómetro: 2,5/5

Crítica de ‘La batalla de los sexos’. Un partido que marcó la historia del feminismo.

A menudo, parece que los biopics quedan relegados a otro nivel sin recibir demasiada atención por el espectador medio ni tampoco demasiada promoción, pero no son tan diferentes de cualquier otra película, exceptuando el hecho de que realmente están basados en hechos reales. ‘La batalla de los sexos’, como su título bien indica, trata un tema controvertido y, desgraciadamente, muy presente aún hoy en día, que originó muchos debates sobre el feminismo y la igualdad de sexos.

Ambientada en el año 1973, cuenta la historia de la elocuente Billie Jean King (Emma Stone) de 29 años de edad, quien, además de ser una brillante tenista, era una revolucionaria que quería cambiar el mundo y la posición de las mujeres en la sociedad de aquél entonces. Por ello, se negó a participar en un torneo de tenis donde las mujeres recibían un premio 8 veces inferior al de los hombres y creó su propia liga femenina de tenis.

Principalmente, se centra en un partido de tenis que se celebró entre Billie Jean y Bobby Riggs (Steve Carell), un arrogante campeón retirado de 55 años que se creía imbatible a manos de mujeres tenistas. Tal partido fue considerado legendario ya que fue uno de los eventos deportivos televisado por la ABC de mayor audiencia de todos los tiempos, cuyo resultado debía determinar qué sexo era superior: ¿mujeres u hombres?

A efectos prácticos, en el filme no parece conseguirse una visión realista del conflicto, sino más bien una representación lejana y poco preocupada por el feminismo. Los encargados de dirigir este “debate” son Jonathan Dayton y Valerie Faris (‘Pequeña Miss Sunshine’, 2006 y ‘Ruby Sparks’, 2012), quienes suelen trabajar como pareja de dirección en todas sus obras.

El guion, a manos de Simon Beaufoy (‘Slumdog millionaire’, 2008), se centra sobre todo en la vida personal de Billie Jean y Bobby dando lugar a una trama romántica y sensiblera que parece dejar de lado el sueño feminista que supuestamente mueve la historia.

En definitiva, en ‘La batalla de los sexos’ topamos con una buena dirección y con un maravilloso reparto y caracterización, pero con un guion que pierde algo de fuerza a medida que avanza la trama.

Lo mejor: Steve Carell y su caricaturizado personaje, tal cual.

Lo peor: El tedioso avance de la trama debido a su azucarado romanticismo. ¿Qué hay del
feminismo?

Baldómetro: Regular 2/5

Crítica de ‘Blade Runner 2049’. Una secuela que da honor a su nombre.

¡Ya está aquí! Por fin podemos disfrutar de la secuela de la magnífica cinta de culto ‘Blade Runner’ (1982), la cual marcó un antes y un después en el mundo cinematográfico, sobre todo, en el de la ciencia ficción. Creo que es certero decir que Ridley Scott (director) nos dejó a todos anonadados e hizo que algo cambiaría en nuestra visión del cine de aquél entonces.

Es sorprendente lo mucho que nos cuesta hoy en día aceptar una secuela y aplaudirla como tal, y es que, en ocasiones, no nos lo ponen fácil. Cada vez que se avecina la “tormenta” tenemos miedo e intentamos no crearnos expectativas, aunque siempre acabamos haciéndolo. No temáis, pues, ‘Blade Runner 2049’ ha llegado para honrar a su predecesora tal y como se merece.

En la actualidad, han pasado 35 años desde el estreno del primer filme y en la ficción de la trama han pasado 30 años (bastante verídico, ¿no creéis?). Nuevamente, el protagonista es un blade runner llamado K (Ryan Gosling), un agente que da caza a modelos antiguos de replicantes y que descubre una pista desconcertante que podría poner el mundo en entredicho. Este descubrimiento le lleva a desenterrar el pasado e intentar dar con el agente Rick Deckard (Harrison Ford).

Curiosamente, contamos con la actriz de reparto Ana de Armas, conocida en España principalmente por la serie ‘El internado’ (2007), quien interpreta a la preciosa compañera doméstica de K y no decepciona en absoluto. Por supuesto, no podemos olvidarnos de destacar al empresario invidente Wallace, el personaje que interpreta Jared Leto, ya que ha llevado a tal extremo su dedicación que para rodar sus escenas, se puso unas lentillas que le bloqueaban la visión completamente, dotando a su interpretación de un realismo incomparable.

En esta ocasión, contamos con la espléndida dirección de Denis Villeneuve cuyo trabajo hemos podido apreciar en ‘La llegada’ (2016), ‘Sicario’ (2015) o ‘Prisioneros’ (2013), y es que tiene un estilo que es destacable y notorio, ya que, servidora, nada más empezar el pase tuve una sensación nostálgica que me recordaba precisamente a ‘La llegada’. Sin embargo, esto no quiere decir que Ridley Scott no esté involucrado, al contrario, ha trabajado como director
ejecutivo de esta segunda parte, a pesar de que él inicialmente no había concebido ‘Blade Runner’ como el inicio de una saga.

También repite el guionista Hampton Fancher, el cual junto a Michael Green (‘Alien: Covenant’ (2017) y ‘Logan’ (2017) se han encargado de crear el
guion basándose de nuevo en la novela de Philip K. Dick  ‘¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas?’ y también en una historia original del mismo Fancher.

Como era de esperar, Hans Zimmer también aporta su enorme granito de arena junto a su compañero Benjamin Wallfisch (‘It’ (2017)), quienes se encargan de la elección y composición musical. El trabajo de Zimmer está muy presente en este título, las piezas instrumentales graves con rompedores estruendos y de carácter tenso inundan las 2:45h que dura, prácticamente es su firma. Como en ‘Sicario’ (2015) o ‘Prisioneros’ (2013), Denis Villeneuve trabaja con Roger Deakins quien se encarga nuevamente de la fotografía logrando dotar a este filme de un realismo inmejorable.

En definitiva, se trata de un largometraje único y espectacular, con un reparto impresionante, el cual consigue que nos encariñemos y suframos con ellos, y un grandioso equipo que ha cuidado muy minuciosamente y con mucho amor todos los detalles y aspectos del filme.

Baldómetro: 4,5/5

Lo mejor: Disfrutar de una buena secuela en toda regla, digan de su predecesora.

Lo peor: La expectativa de un desenlace a bombo y platillo.

Crítica de ‘Jacques’. Un biopic de manual con una maravillosa visión inmersiva.

Hay personas que durante su vida han tenido una repercusión importante y son mundialmente reconocidas por los actos que han realizado y realizar películas sobre su trayectoria conlleva darlas a conocer más allá de esos hechos. Los biopics dramatizan sobre esas figuras que marcaron un antes y un después en su época (para bien o para mal). En esta ocasión, se centra en aquel hombre de gorro rojo tan característico que dio a conocer el mundo más allá de nuestros ojos a través de sus documentales, investigando y explorando los fondos marinos.

Además, fue co-creador de los reguladores y desarrolló varios utensilios para favorecer el buceo autónomo. Este drama biográfico de aventuras se centra en la vida del legendario explorador Jacques Cousteau y su hijo Philippe, los cuales mantienen una relación distante hasta que se embarcan en su mayor hazaña. A bordo del Calypso se reencontraran el uno al otro, antes que la tragedia les acabe golpeando.

Debo reconocer que soy una apasionada a todo lo relacionado con el mundo submarino y al ver este film ya iba algo condicionada sabiendo que, de una manera u otra, saldría contenta tras su visionado. Sin embargo, trataré de ser lo más subjetiva posible y comentarla según es. A priori, se nos presenta un hombre familiar que anhela descubrir aquello que esconden 3/4 de nuestro planeta, pero en el transcurso del guión va evolucionando de una manera despótica, egocéntrica, mostrando la verdadera cara de una leyenda (fallecida hace ya 20 años).

En cuanto al desarrollo es una biografía de manual, no se arriesga en ir más allá, precisamente por eso el film funciona. Cabe destacar la magnífica fotografía que muestra las profundidades del océano así como las criaturas en su entorno natural, ofreciendo todo un mensaje sobre la protección de los ecosistemas y de una crítica negativa hacia las grandes industrias petrolíferas, la pesca masiva o los cazadores de grandes mamíferos en los árticos. Todas estas imágenes embriagan el alma del espectador reforzadas por una banda sonora nacida de las manos de Alexander Desplat.

Todo un espectáculo visual que emerge de la mente del cineasta Jérôme Salle (‘El secreto de Anthony Zimmer’ o ‘Zulu’), mientras que un Lambert Wilson (‘Las confesiones’ o ‘La vaca’) se mete a fondo en el papel de Jacques Cousteau y Audrey Tautou (‘La delicadeza’ o ‘El código Da Vinci’) en el de su perturbada mujer.

En definitiva, se trata de un film interesante para conocer los entresijos del protagonista y su entorno. Aunque acabe aburriendo al espectador por su duración y su fórmula repetida en enésimas ocasiones.

Lo mejor: La música de Desplat nos sumerge a otra dimensión, las vistas del mundo acuático son impresionantes y los personajes transmiten su pasión hacia el espectador.

Lo peor: Se hace algo larga para aquellas personas que no son amantes del mar y algunos personajes resultan algo tediosos o histéricos.

Baldómetro: No está mal 3/5

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