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Crítica de ‘El aviso’. Raúl Arévalo pone todo su empeño en un filme claramente desorientado.

Este pasado viernes 24 de Marzo se estrenó en los cines españoles ‘El aviso’ con la dirección de Daniel Calparsoro (‘Cien años de perdón’, 2016), el cual está basado en la homónima novela del escritor español Paul Pen. Lamentablemente, parece que, en esta ocasión, Daniel Calparsoro no acaba de lograr una película cohesionada y sólida, ya que el guion es bastante confuso y ambicioso.

La trama se centra en Jon (Raúl Arévalo), cuyo amigo David se ve envuelto en el atraco de una gasolinera y acaba en coma tras recibir un disparo. Todo ello conduce a Jon a una espiral de obsesión insana sobre la extraña gasolinera donde se han ido repitiendo sucesos de distinta naturaleza, los cuales siempre acaban con el fallecimiento de una persona. En un primer instante, al ver el tráiler, parece que nos encontramos frente a una película de terror y
fenómenos paranormales, pero, de hecho, es completamente lo contrario: un thriller con aspiraciones de ciencia ficción.

Por suerte, Raúl Arévalo cuenta con la ayuda de sus compañeras de reparto Aura Garrido (‘La piel fría’, 2017) y Belén Cuesta (‘La llamada’, 2017),
las cuáles hacen un magnífico trabajo y son simplemente sublimes, y con el joven Hugo Arbués (‘Hierro’, 2009), sobre el cual recae un gran peso al ser co-protagonista.

A mí parecer, Arévalo se halla un tanto confuso con el guion de la película y la interiorización de su personaje, ya que parece que carezca de fuerza interpretativa. A pesar del trabajo y esfuerzo del elenco, poco se puede hacer si el guion no pone de su parte y más que ayudar, confunde. Jorge Guerricaechevarría y Patxi Amezcua fueron los encargados de desarrollar el guion para este filme partiendo de una adaptación que Chris Sparling
(‘Buried’, 2010) hizo de la novela de Paul Pen…

¿Os habéis perdido? Sería completamente plausible, ya que hay demasiados nombres involucrados en un guion cuya historia es terriblemente sofisticada. Antes, he mencionado al joven Hugo Arbués diciendo que es co-protagonista, ya que en este largometraje que, como ya he dicho aspira a ser un thriller de
ciencia ficción, nos presentan dos líneas temporales, la de Arévalo y la de Arbués, para presentarnos dos sucesos distintos que tienen lugar en un mismo sitio, la famosa gasolinera.

Para acabar, simplemente quiero comentar que, como mínimo, el guion no es del todo previsible y se va descubriendo todo lentamente, aunque probablemente sea más bien una consecuencia al presentar dos historias paralelas en dos líneas temporales distintas, pero le atribuiremos ese mérito al guion ni que sea.

Lo mejor: La interpretación de Aura Garrido, que destaca por encima de todas las demás junto a Hugo Arbués.

Lo peor: La gran confusión que presenta un guion con demasiadas aspiraciones y que acaba logrando confundir a Raúl Arévalo, el cual es un gran actor.

Baldómetro: 2/5 Mala

Crítica de ‘Ready Player One’. La partida de Spielberg donde la meterías una y otra vez.

Sabemos que todo lo que toca Steven Spielberg tiene cierta aura de magia pero lo que nos encontramos en ‘Ready Player One’ es de otro nivel ya que consigue trasladar a la gran pantalla el lenguaje de los videojuegos como pocos han hecho. El resultado es entretenimiento que gustará a todos los públicos, aunque cada uno goce con unos ingredientes diferentes.

Para los adultos que han crecido con los videojuegos y cultura de la época la película se convierte en un orgasmo de más de dos horas, ya no sólo visual, sino nostálgico. Con la cantidad de referencias y guiños a películas (ojo al de Kubrick), series, canciones o marcas que hay nos harían falta 3 vidas extra para verlo todo.

Para el público juvenil que no saben quienes son ‘Duran, Duran’ pero sí un campero se encontrarán una aventura friki con efectos especiales de calidad. Está claro que no es el CGI de ‘Avatar’ (2009) pero la captura de movimiento, texturas y expresiones no cantan y los personajes aguantan soberanamente el peso de la historia en un universo que conocen mejor que sus propios padres.

Sea como sea, en los primeros minutos tenemos la información necesaria para disfrutar de la película: quien es el protagonista (real y virtual), que es ese juego llamado OASIS y todo lo que se cuece con el creador y la competición del Huevo de Pascua. Rápido, sencillo y sin toppings. A partir de ahí, y tras la apabullante (y muy bien dirigida) secuencia de la carrera de coches, entraremos y saldremos del mundo virtual para que se desarrolle la historia.

A pesar de que el envoltorio visual ciegue (que no saturarnos) y del rejuvenecido dominio de la narración de Spielberg, la historia no es nada del otro mundo. Es más: es previsible y sabes cómo va acabar. A través de los personajes se agradecen aspectos como por ejemplo la crítica de las algo tan habitual como las loot boxes o la de que una generación viva más en el mundo virtual que en el real, pero no esperes buscar algo más profundo.

Pero no importa. Para entonces ya nos ha ganado y comprobamos que esta aventura videojueguil es la mejor película de Spielberg desde la también entretenida ‘Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio’ (2011). Y además todo queda mejor con la banda sonora de Alan Silvestri que recoge varios años de legado musical.

Lo mejor: Que es endiabladamente entretenida te gusten o no los videojuegos.

Lo peor: La historia es previsible y nada del otro mundo.

Baldómetro: Buena 4/5

Crítica de ‘Errementari’. Querido De la Iglesia… ¡Martillazos de folclore vasco por un tubo!

Hasta hace poco, Paul Urkijo Alijo solamente nos había deleitado con cortometrajes como ‘El bosque negro’ (2014), una breve aventura folclore en el corazón de un bosque negro. Y ahora nos brinda la oportunidad de degustar ‘Errementari, el herrero y el diablo’, su debut en la gran pantalla como director y guionista, con la ayuda del apadrinaje de Álex de la Iglesia, cuyas influencias están presentes a lo largo de todo el largometraje como si se tratara de una obra suya. Cómo no, está basada en cuento popular infantil vasco, ‘Patxi errementaria’, al cual le han añadido pinceladas folclóricas y fantásticas desde un ángulo algo más maduro.

Hacemos una inmersión a un pueblo del País Vasco profundo tras haber pasado 10 años desde el desenlace de la Guerra Carlista de 1833, donde encontramos un herrero malévolo y loco, de cuya herrería emanan alaridos y gritos de desesperación. Si a esto, le sumamos un supuesto tesoro de oro carlista perdido y una niña sin padres con la cara marcada por el fuego, conseguimos una historia bien curiosa. Nos guían los actores y la actriz: Kandido Uranga (‘Bajo la piel del lobo’, 2017), el malvado herrero Patxi; Eneko Sagardoy (‘Handía’, 2017), el némesis demoníaco Sartael; Uma Bracaglia, la pequeña protagonista Usue; Gorka Aguinagalde (‘Fe de Etarras’, 2017), el posadero Tenientea; Ramón Agirre (‘Handía’, 2017), un trabajador del ministerio llamado Alfredo que quiere recuperar algo de gran valor.

Es sencillamente increíble el maravilloso reparto que completa este largo, principalmente, cabe destacar a nuestro némesis endemoniado, Eneko Sagardoy, quien el pasado sábado 3 de Febrero recibió el Goya al Mejor Actor Revelación por ‘Handía’. La cosa no queda ahí, sino que, además, Uma Bracaglia se estrena y debuta satisfactoriamente dejándonos a todos anonadados con su espléndida interpretación y mimetización del papel de la pequeña Usue.

El filme empieza con una voz en off narrando una historia acompañada de unas imágenes ilustraciones, como si de ‘Lobos de Arga’ (2011) se tratara. Curiosamente, la violencia se dispara desde el principio para mantener al público tras el suspense, jugando con los planos para enseñarnos lo estrictamente necesario y poco más. A medida que la trama se desarrolla, vamos conociendo a los personajes más a fondo y nos introducen en un mundo folclórico más inofensivo, donde los matices tétricos se van disipando hasta tomar forma hilarante.

Sorprende muy gratamente la caracterización y el maquillaje de los actores, ya que últimamente entre tanto CGI y 3D parece que se echa de menos encontrar transformaciones añejas de carácter humano y no informático. Para más inri, fue presentada en el Festival de Sitges del año pasado y galardonada con el Premio del Público en el Festival de cine de San Sebastián. En definitiva, a mí parecer es una buena apuesta cinematográfica si aprecias el trabajo de Álex de la Iglesia y eres fan de la fantasía y el folclore español.

Para acabar, os dejo un breve resumen del cuento en el que está basado ‘Errementari’: Patxi era un malvado herrero cuya alma fue reclamada por el infierno, y el mismísimo diablo decidió enviar a tres demonios para atraparla para toda la eternidad y que pagara por los pecados cometidos. Sin embargo, Patxi engañó a todos los súbditos del diablo y se libró de ir al infierno. Para cuando la muerte lo alcanzó por fin, el infierno no le abrió las puertas por sus horribles y maliciosas hazañas hechas en vida, así que probó suerte en el cielo. San Pedro lo rechazó, pero, por suerte, una anciana que lo conocía y entraba al cielo, convenció a San Pedro y al fin logró entrar.

Lo mejor: El elenco de actrices y actores que han dado vida al cuento ‘Patxi Errementari’ con la audaz frescura de Paul Urkijo Alijo, sobre todo, Uma Bracaglia y Eneko Sagardoy.

Lo peor: El final es postergado por muchos acontecimientos en cadena y puede ser algo tedioso, pero nada que no se pueda sobrellevar gracias a los toques hilarantes del guion.

Baldómetro: 4/5

Crítica de ‘El extranjero’. Nuestro querido Jackie Chan vuelve a repartir leña como nunca.

Creo que muchos esperábamos la vuelta de Jackie Chan a la gran pantalla, no lo veíamos desde que en 2011 interpretó el papel de Huang Xing en ‘1911’ y prestó su voz al Maestro Mono de ‘Kung Fu Panda 2’. En España, hacía ya siete años que no estrenábamos un filme que contara su presencia y sus increíbles habilidades.

Lo cierto es que parece que los años no pasan por este hombre, o más bien, no pasan por su destreza en las artes marciales, obviamente se le ve más mayor, pero es increíble que con sus 62 años continúe repartiendo leña, sin necesidad de dobles. En este nuevo largometraje nos encontramos frente a un thriller de acción basado en la novela ‘The Chinaman’ de Stephen Leather.

El encargado de dirigirlo es Martin Campbell (“Casino Royale”, “Linterna Verde”), quien ha concebido una película de acción bastante ajetreada y sin mucha pausa, ya que prácticamente desde el minuto cero nos lanzan de lleno a la acción y menuda manera de hacerlo: con un ataque terrorista. Así empieza todo, con una desafortunada bomba que ha plantado un grupo terrorista que se hace llamar el auténtico IRA que reaviva el terrorismo tras 19 años de inactividad.

La explosión se cobra la vida de la hija de Quan Ngoc Minh (Jackie Chan) y este desata su venganza en medio de un conflicto político que se teje entre el gobierno británico y el irlandés. El guion, a pesar de ser la arquetípica historia de venganza, conduce la trama de manera sorprendente con una interesante cantidad de giros que aportan ritmo y misterio a la evolución de la historia. Llega un punto en que no sabes de quién puedes confiar, ya que, para variar un poco, el guionista David Marconi nos ofrece un thriller de acción y venganza poco previsible.

Para todo ello, contamos con la interpretación de Pierce Brosnan (“Canción de Nueva York”) como el viceministro principal de Irlanda del Norte Liam Hennessy, poco convincente si se me permite, pero, si la veis en versión original podréis oír su acento nativo, más irlandés que nunca. También, figuran Charlie Murphy (“’71”), hermano de Eddie Murphy, y Katie Leung (“T2: Trainspotting”) como la hija de Jackie Chan (Fan). Lamentablemente, no destaca de manera notable ninguna actuación a excepción de la del mismísimo Chan.

Lo mejor: Como ya he dicho, pero voy a repetirme por gusto: ver a Jackie Chan repartiendo leña de nuevo.

Lo peor: Ver a Pierce Brosnan un tanto desaprovechado o fuera de lugar.

Baldómetro: No está mal 3/5

Crítica de ‘Ferdinand’. Los creadores de ‘Ice Age’ presentan a un emotivo y tierno toro antisistema.

Las películas de animación siempre han sido catalogadas hacia un público más bien infantil, aunque la gran mayoría de ellas (y cada vez más) ofrecen un entretenimiento para todos los públicos, más allá del familiar. Además, a parte, de tener tramas sencillas que sean comprensibles para los más pequeños de la casa, incluyen mensajes morales y profundos que despiertan sentimientos escondidos a los adultos.

En el año 1936 de la mano del escritor Munro Leaf surgió la historia de un pequeño toro llamado Ferdinand que, con los años se convirtió en un clásico de la literatura infantil americana, hasta el punto que Disney desarrolló un cortometraje 2 años después que se hizo con la estatuilla dorada. Tal era la censura entonces que en España estuvo prohibido durante una larga temporada, por aquello de la dictadura. Varios años más tarde, el sello Blue Sky (‘Ice Age’ o ‘Rio’) ha creado una película basada en esta idea.

La historia se centra en Ferdinand, un novillo muy manso que prefiere sentarse bajo un árbol a oler flores y contemplar la naturaleza que saltar, resoplar y embestirse con otros. A medida que va creciendo y haciéndose más fuerte su temperamento no cambio y sigue igual de tranquilo, sin querer acabar en una plaza de toros. Hasta que un día su suerte se ve perturbada por un accidente y acaba siendo perseguido, pese a querer huir de su destino.

Lo primero que hay que destacar, valga la redundancia, es que esta película es un grito hacia la sociedad para que se acaben suprimiendo los toros en todos lados. Deja de manifiesto lo que sufre un animal sólo porque su destino (impuesto por el hombre) sea el de acabar en una plaza de toros mostrando un espectáculo para su posterior muerte en directo o acabar siendo fileteado en una fábrica. Cuando su destino debería ser el impuesto por la naturaleza, su libertad.

Otro mensaje es el de mostrar que hay que aceptar las diferencias que existen entre criaturas de una misma especie, cada uno es como es y no hay que dejarse llevar por cánones establecidos por una jerarquía de consumo. Pese a la positividad de las acciones y mensajes, se reiteran de manera innecesaria, ya que son el leitmotiv del film y constantemente van recalcando. Aunque está enfocada a los niños, es demasiado larga, le sobran unos 20 minutos tranquilamente.

Le salva el potente humor que desfila entre los diferentes personajes. Ahora bien, plasman muy bien las tradiciones españolas y son concisos a nivel geográfico, mostrando paisajes y conocidas ubicaciones de manera fiel y sin caer en “topicazos”. Lo que está bien logrado son las texturas, iluminación y movimiento de los personajes, todo creado con una técnica impresionante.

En definitiva, es un largometraje que entretiene, que muestra unos valores puros con un personaje tierno y simpático, pero que no acaba maravillando como quizás se esperaba.

Lo mejor: La manera en la que se trata un tema tan controvertido como es la tauromaquia y el folklore queda retractado sin caer en los “típicos estereotípicos” españoles.

Lo peor: Es demasiado larga para ser una película enfocada a un público infantil y su poca capacidad de innovación respecto al cortometraje.

Baldómetro: 3/5

 

Crítica de ‘Star Wars: Los últimos Jedi’. La gran chispa que enciende la esperanza de esta saga.

Con ‘Star Wars: El despertar de la fuerza’ (2015) tuvimos un chute de nostalgia a la hora de ver a nuestros antiguos héroes otra vez en pantalla grande, pero la nostalgia a veces es venenosa y no dejaba ver que los guiños y las referencias en la estructura eran un copy-paste que enturbiaban la experiencia. Pues bien, ahora ha llegado un señor llamado Rian Johnson que le ha dado a la vuelta a todo como si fuera un par de calcetines y ahora mismo sólo queremos correr desnudos con ellos.

Esta octava parte corrige, repara, sana (llamadlo como queráis) el posillo amargo que tenía la cinta de J.J.Abrams y nos brinda puro espectáculo al servicio de constantes e inesperados giros de guión, apariciones sorpresa que harán dar aplausos, conflictazos entre personajes y muchísima innovación dentro del Universo SW. Definición fácil: es una fusión de ‘El imperio contraataca’ y ‘El retorno del Jedi’.

En lo técnico nos encontramos con una dirección cuidada e inteligente que nos brinda secuencias de acción memorables (por el espacio, por tierra, duelos con sables láser…) y algún que otro plano digno de ser enmarcado que junto a la banda sonora de John Williams nos pondrá los pelos de punta. Por cierto, en esta ocasión el trabajo de Williams brilla más que en la anterior.

Eso sí, el guión tiene algunos detalles que chirrían un poco como alguna resolución patillera, una subtrama que se alarga o dispersa demasiado y ciertos tópicos del género, pero sabe lo que queremos ver, cómo lo queremos ver y nos proporciona la epicidad emocional necesaria para mantener la tensión de la trama. Además sabe usar bien el humor, palpable desde los primeros minutos o cuando retomamos la escena del final de el Despertar con Luke y Rey.

En lo que respecta al reparto destacar que Mark Hamill se entrega en cuerpo y alma al papel de Luke Skywalker, epicentro de esta entrega que básicamente gira en torno a la fuerza en dos grandes tramas: las conexiones entre quienes la portan (Kylo Ren-Rey) o el debate de para qué sirven los jedis haciendo tambalear algunos pilares de la saga original (Rey-Luke). Sin aburrir, sin distraer, sin dejar de flipar.

De Carrie Fisher poco se puede añadir salvo que da una inmensa pena recordar cada vez que aparece (sin saber si es CGI o no) que falleció las pasadas navidades. Hablando de CGI, destacar el trabajo hecho con el personaje de Snoke, ahora más imponente y peligroso que su versión holográfica de la primera. Oscar Isaac gana protagonismo, John Boyega anda un poco perdido y BB-8 sorprende por sus nuevas habilidades. ¡Ah! Los Porgs no dan por culo y encajan bien.

En definitiva, ante nosotros tenemos la mejor película de la saga con un brutal entretenimiento que hará disfrutar a los seguidores de la franquicia que agitarán excitados sus sablesláser y fascinará a los que sólo piensan que la fuerza sirve para levantar piedras. Ahora mismo lo tiene muy complicado Abrams para hacer que el ‘Episodio IX’ sea el broche de oro que todos deseamos.

Lo mejor: Los giros de guión y los descubrimientos tras ellos.

Lo peor: Cierta sub-trama que dispersa la atención principal.

Baldómetro: 5/5 Muy Buena

Crítica de ‘Coco’. Obra maestra animada que captura con colorido y sentimiento a la familia.

Cada vez que la compañía del ratón animado, Disney/Pixar, nos anuncia una película nueva esperamos de ella que acaben aflorando todas nuestras emociones, desde la alegría hasta la tristeza. Desde que se presentó el proyecto hace unos años, la expectación ha sido enorme, quizás algo superior a anteriores ocasiones debido a la dificultad que proponía al centrarse en el Día de Muertos, una tradición típica mexicana que se produce en lo que muchos conocemos como Halloween o Castañada, en función del territorio.

Se trata de la decimonovena película de la empresa, pero se empezó a desarrollar hace 7 años y su proyecto fue aprobado por John Lasseter (saga ‘Toy Story’ o ‘Cars’) antes de tener un guion. Miguel es un joven mejicano que sueña con convertirse en una leyenda de la música, aunque toda su familia va en contra y quiere que se dedique al negocio familiar. Su pasión lo llevará a adentrarse en la Tierra de los Muertos para descubrir su verdadero linaje.

Esta película es un festival de colores, música, humor, sentimientos, pero sobretodo un homenaje a aquellos que ya no están aquí y cómo la familia unida los recuerda. En su conjunto resulta una carta de amor hacia las tradiciones mejicanas, dando a conocer su folklore y cultura al mundo. La mayoría de escenas evocan emociones y su técnica sorprende, gracias a lo bien que encaja con la temática.

Toda esta paleta de luminosos colores casan a la perfección con la melodía que la acompaña y el perfecto equilibrio con las canciones, pese a tratarse de
un film de Disney y enfocado a la música, no peca en exceso de ellas. Por otra parte está el diseño de los personajes, creados con mucho mimo y cariño, muestran su faceta más tierna y hacen que uno desee tener una familia tan unida y completa.

Sin embargo, tengo que decir que quien más me ha cautivado es el perro que acompaña al protagonista; Dante es pura energía, aporta una magia única, alegría, fascinación y curiosidad, que dan la vida. Sin él la historia perdería fuerza, no es una simple mascota, se trata del entretenimiento que consigue ocultar las lágrimas en los momentos crudos. Eso sí, Miguel es un niño adorable y encantador, totalmente transparente que muestra su alma cuando toca (aunque la magia reside en la facilidad de Michael Giacchino para crear grandes composiciones casi sin despeinarse).

Pixar logra reconvertir su fórmula, aplicando las pinceladas que siempre le han funcionado en todos sus films y logrando mostrar un tema controvertido, como es la muerte, de manera simpática, sin otorgar miedo, ya que el Día de Muertos, no es una fiesta de zombies ni nada por el estilo. Además, su ambientación logra deshacer esos prejuicios y tabús, pasando a ser un espectáculo sin más dilación.

Aunque no todo es positivo, ya que en esta ocasión, el personaje malvado queda desdibujado y en un segundo plano sin llegar a profundizar demasiado y resolviendo el conflicto de manera poco espectacular. Para muchos el film recordara a otros del estudio y uno más, que intenta sacar las lágrimas sea como sea. Tal y como su director, Lee Unkrich (‘Monsters, Inc.’ o ‘Finding Nemo’) ya hizo con ‘Toy Story 3’. Además, pese a que inicialmente parecía una historia muy similar al film de animación producido por Guillermo del Toro (‘The Shape of Water’ o ‘Pacific Rim’), ‘El libro de la vida’ (2015) ha quedado demostrado que no tiene nada que ver, simplemente ambos tienen como leitmotiv la música y lo sobrenatural.

Si vamos más allá del guion del film, podemos entrever la crítica social hacia la importancia de la familia y el conflicto entre el país protagonista y el vecino, capitaneado por Trump. Reivindicando así los lazos existentes entre México y EEUU, con un mensaje implícito de hermandad especialmente en estos tiempos agitados.

Lo mejor: Los coloridos escenarios, el equilibrio entre música, sentimientos y historia. El carisma de los personajes es notable.

Lo peor: Pixar reinventa la fórmula, pero se traba al definir al personaje malvado.

Baldómetro: Muy buena 5/5

Crítica de ‘SAW VIII’. El juego del terror gore se reinicia sólo para los fanáticos de la saga.

Han pasado 7 años desde que se estrenó la última película de la saga ‘Saw’, la cual intentó innovar al realizar una puesta en escena dominada por efectos en 3D, pero acabó siendo un fiasco y dejando peor la reputación de las últimas entregas de la franquicia. Con el estreno de la octava se intenta recuperar la esencia original, ya no sólo a nivel de guion, también de personaje, al aparecer su creador (interpretado por Tobin Bell) muerto capítulos anteriores.

La historia se centrará en cinco personas que despiertan y se encuentran atrapadas en una habitación y serán víctimas de una serie de juegos macabros y sangrientos como castigo por los delitos que han cometido. Paralelamente, la policía y unos científicos forenses tratan de encontrar y capturar a un asesino, que va dejando cadáveres por la ciudad de una manera muy similar a los que realizaba Jigsaw (Puzzle). ¿Se tratará de un imitador o realmente no estaba muerto?

La película funciona bien, engancha con su trama y las perversas pruebas. Sin embargo, al final tiene un giro de guion bastante interesante, pero que se ejecuta terriblemente dejando una sensación de frialdad absoluta. Las trampas siguen la misma estética de las originales, debemos sumar que el hilo musical de fondo recupera los populares acordes, todo para desembocar en un cóctel gore más idóneo para un fanático de la saga que para cualquier otro espectador, que no verá justificadas las salpicaduras de sangre.

Ahora bien, así como la sexta entrega fue clasificada de X y aquí nos llegó censurada, en esta echamos bastante en falta el gore extremo, en varias ocasiones el plano se desvía y no deja ver los efectos de la casquería y la brutalidad con que James Wan (saga ‘Insidious’ o ‘Expediente Warren’) o Darren Lynn Bousman (‘Repo! The Genetic Opera’ o ‘Mother’s Day’) nos atraparon y (a algunos) enamoraron con su explicidad.

No estamos ante una de las peores de las ocho, pero denota falta de imaginación, sigue el mismo patrón y pese al intento de reflotar la saga, esta secuela sólo convencerá a los que realmente les gusta o fascina. Pese a que deberían haber cerrado el capítulo hace ya bastantes entregas, mientras la gallina de los huevo siga dando beneficios se seguirán haciendo productos pre-fabricados aptos para millenials con ganas de consumir cine comercial de terror con un cubo de palomitas, como pasa con la saga de ‘Fast & Furious’.

Además si son films económicos que no requieren mucho presupuesto, sólo les falta poner las piezas sobre la mesa y montarlas de manera más o menos graciosa. Parece ser que los directores de ‘Daybreakers’ o ‘Predestination’, los hermanos Spierig, han sabido sacarle jugo y salir más o menos airosos, aunque si realizan una próxima deberían no medir tanto las escenas de acción y dejar que la locura tome partido en la partida.

En definitiva, sólo es apta para fanáticos y aquellos que tengan curiosidad por el tipo de pruebas por los que han de pasar los participantes.

Lo mejor: El efecto nostálgico del conjunto y el final giro de guion que puedo sorprender y
pillar desprevenido.

Lo peor: No todo el mundo sabrá valorarla, ya que es para fans y no da genera apenas
novedad.

Baldómetro: 2,5/5

ESTRENOS Abril, 2018

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