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Crítica de ‘Dolor y gloria’. La curación de Pedro Almodóvar con sesión de terapia para el espectador.

Empezamos conociendo al personaje de Antonio Banderas, Salvador Mallo y alter ego de ficción de Pedro Almodóvar, que viste como él, vive en una casa como la suya rodeado de sus mismas obras de arte, hundido en una piscina. Descubrimos sus cicatrices y dolores constantes a través de una bellísima secuencia animada de Juan Gatti, diseñador, fotógrafo y autor de los carteles de las películas de Almodóvar. ‘Sabor’, una película que rodó Salvador treinta años atrás, es recuperada por la Filmoteca, será la excusa de la película para que Salvador se reconcilie con el actor principal al que no perdonó su actuación, para volver en recuerdos al pasado, al cine, su primer amor y su primer deseo.

En esta autoficción, como la definen en la película, deducimos que el director nos quiere mostrar, a través de la música, la fotografía y sus colores, hasta del teatro, no tanto hechos en si, sinó sentimientos y deseos autobiográficos, momentos en que quizá le hubiera gustado que las cosas hubieran sido como las cuenta y no como sucedieron. Conocemos la relación con su madre ya mayor, Julieta Serrano, a través de flashbacks y en escenas volvemos a su infancia donde vivía en una casa-cueva, su madre entonces más joven interpretada por Penélope Cruz.

Por último, la mujer que le acompaña y asiste en el presente es Nora Navas. Maravillosas todas, así como el resto de interpretaciones. Reconocemos el estilo del autor constantemente pero aquí reducido a sencillez y elegancia formal, guardando para siempre toda la esencia de lo mejor en esta película.

Lo mejor: Si esta película ha servido de curación al director-personaje, para el espectador es terapia y no podíamos haber tenido una mejor sesión.

Lo peor: Estadísticamente la siguiente película que veamos no será igual de maravillosa.

Nota: 5/5

Crítica de ’70 Binladens’. Thriller cargado de ritmo y muy entretenido con estilo muy setentero.

Por circunstancias de la vida, Raquel (Emma Suárez), necesita, para la mañana siguiente, 35.000 € o lo que es lo mismo, los 70 binladens del título, esos billetes lilas de los que todo el mundo habla pero pocos han visto. Ha recorrido varios bancos y en el último de su lista por fin le conceden un préstamo. Justo antes de acabar con los trámites entran dos atracadores (Nathalie Poza y Hugo Silva). La faena será de Raquel para salir de allí como sea y con el dinero antes de la mañana.

Utilizando apenas dos escenarios, el interior del banco y la plaza exterior donde se apostará la policía esperando negociar con los atracadores, un esbozo de personajes, un guión que no se anda por las ramas y buenos diálogos, Koldo Serra nos regala un thriller cargado de ritmo y muy entretenido con estilo muy setentero.

Colaboran a ello sus protagonistas, sobretodo las dos actrices principales espléndidas en sus negociaciones, una tirando de fuerza bruta e impulsividad y la otra calculadora y cerebral. Fuera, los policías interpretados por Bárbara Goenaga y Dani Pérez Prada, muy graciosos, forman una pareja que se complementa muy bien.

Se aprovecha para que temas como la manipulación de los medios de comunicación o los abusos de las entidades financieras asomen un poquito la nariz. Y eso sí, puedes ser policía, atracador o juez que el mundo se para si hay fútbol.

Lo mejor: Una entretenida película de atracos, ni más ni menos.

Lo peor: Casi no hace falta el epílogo.

Nota: 3,5/5

Crítica de ‘Mula’. Drama familiar y personal envuelto en thriller policíaco del incombustible Clint Eastwood.

Basado en hechos reales, ‘Mula’ nos cuenta la historia de Earl (el incombustible Clint Eastwood), un floricultor nonagenario con recientes problemas económicos que empieza a trabajar, casi sin saberlo, como mula para un cartel mexicano dirigido por Latón (Andy García, papel que le sienta como un guante).

Earl, es entre entrañable y odioso. Es un abuelo muy muy mayor con un caminar a pasitos y que tiene la sabiduría de haberse equivocado millones de veces. También es un poquito machista, un poquito racista y muy gañán en general, pero en continuo aprendizaje ya sea en su encuentro con unas moteras o cuando ayuda a una familia a cambiar una rueda.

Dedica más amor y cariño a sus flores y a su diversión, como el que el director le tiene a su cine, que a su familia. Su exmujer, una Dianne Wiest dulce como siempre, su hija (Alison Eastwood) y su nieta (Taissa Farmiga) sufrirán sus desplantes. Por otro lado, Bradley Cooper, como agente de la DEA deberá darle caza. Los dos tendrán alguna conversación interesante al verse Earl reflejado en él. Por lo que tenemos un drama familiar y personal envuelto en thriller policíaco.

Aunque no sería la mejor película del director, ha desmostado que es un buen contador de historias, y ésta tiene un formato pausado, sencillo e impecable. Rodeado de buenos actores, Clint Eastwood es el protagonista absoluto. Su Earl es un personaje que se ha quedado solo, admirado y querido por extraños pero distanciado de los más cercanos a causa de las decisiones tomadas en el pasado. Busca la redención y el perdón de las mujeres de su vida, una de las causas por las que empieza su carrera como mula.

Todo y la edad de Clint Eastwood no es ningún testamento, se le ve en forma y de buen humor y creo que con pocas ganas de jubilarse del todo, eso esperamos; ya que aunque no todo lo que haga sean obras maestras siempre estaremos expectantes a sus nuevos proyectos que, como mínimo, suponemos, serán notables.

Lo mejor: Una historia bien contada al estilo clásico.

Lo peor: Hay tantos personajes que algunos se quedan en caricatura.

Nota: 3,5/5

Crítica de ‘Van Gogh de los campos de trigo bajo los cielos nublados’. Despertando el interés de los cinéfilos.

Narrado con dulzura por la actriz y directora Valeria Bruni Tedeschi con una voz hipnotizante, el documental nos lleva a recorrer durante su primera mitad el museo Helene Kröller-Müller, situado maravillosamente en mitad de un parque natural en Otterlo, Holanda. Lo hace a través de la visión de la coleccionista Helene Kröller-Müller (1869-1939), que no llegó a conocer a Van Gogh (1853-1890) pero apasionada por su obra llegó a adquirir casi 300 obras del pintor. Sabemos de su admiración, pasión y dudas existenciales a través de unas cartas enviadas a un amigo de su hija recopiladas por una historiadora del arte de las que hizo su tesis.

Después nos alejamos del museo y recorremos los lugares en los que vivió Van Gogh durante los diez años que dedicó a la pintura hasta su muerte, París, Arles, la Provenza, Auvers-sur-Oise, también ilustrado por las cartas intercambiadas con su hermano Theo, por unos intensos paisajes y por los cuadros del pintor que inundan de color la gran pantalla con sus características pinceladas vistas tan de cerca y al detalle como nunca las veremos.

Personalmente, desde la visión de alguien apasionado por el cine pero que de arte pictórico sabe más bien poco aunque siempre con curiosidad por aprender sobre cualquier asignatura debo decir que el documental me ha despertado gran interés y descubre historias y anécdotas a ojos neófitos de la obra y vida de Vincent Van Gogh y de su gran admiradora Helene Kröller-Müller.

Nota: 9

Lo mejor: Poder disfrutar de una pintura tan de cerca y detalladamente como no lo harías en el museo.

Lo peor: Que entran ganas de ir a a Holanda y visitar un museo en medio de la naturaleza, y falta mucho para las vacaciones.

Crítica de ‘La LEGO® Película 2’. En el LEGO mundo todo es fabuloso… ¿o quizás no?

Hace exactamente cinco años y un día que se estrenó la primera entrega de “La LEGO Película” (2014) y todo el mundo cantó y bailó al ritmo de ‘Todo es fabuloso’, porque, seamos sinceros y sinceras, Phil Lord y Christopher Miller (“Infiltrados en la universidad”, 2014) se embarcaron en un proyecto que podía resultar ser muy querido o muy odiado, nada de medias tintas. Por suerte para ellos, acabó siendo, tal y como predecía la cancioncilla de su banda sonora, ¡fabuloso! Y aquí estamos de nuevo, a viernes 8 de Febrero para revivir ese cachondeo desternillante con “La LEGO Película 2”.

En esta ocasión, toman el mando de la dirección Mike Mitchell (“Trolls”, 2016) y Trisha Gum, siendo este filme el primero que Gum co-dirige para la gran pantalla. A grandes rasgos, no se nota demasiado el cambio de dirección, pues la estructura sigue siendo la misma y la historia se desarrolla con el mismo sentido del humor descabellado. En el guion contamos con Raphael Bob-Waksberg (“BoJack Horseman”, 2014), Matthew Fogel (“Esta abuela es mi padre”, 2011), y cómo no, Phil Lord y Christopher Miller. Como veis los cambios en el equipo técnico, tampoco son tan notorios, al final acaba quedando todo en familia, entre Lord y Miller.

Obviamente, la música no podía ser menos “fabulosa”, así que repetimos experiencia con Mark Mothersbaugh y su “¡Todo es fabuloso!”. La canción es ñoña y todo lo que quieras, pero se pega como el chicle y es difícil retractarse de cantarla e, incluso, de bailarla ―no te preocupes, tienes mi permiso para sentir vergüenza ajena. Confieso que no soy especialmente fan de la música pop electrónica, pero es prácticamente todo lo que escuchas en este largo, así que más vale tomárselo con salero, nunca mejor dicho.

Sin embargo, ¡alarmarte no debes! Ya que la mejor cualidad de “La LEGO Película 2” es el entrelazamiento de diferentes filmes en uno solo dando lugar a una infinidad de guiños y menciones imposibles de recordar al completo al salir del cine. Encontramos una cafetería llamada “Coffee Unchained”, a un Batman más deprimido y botarate que nunca, velociraptores a doquier, viajes espaciales con un seudo Chris Pratt, etc… Es puro deleite para cualquier cinéfilo, siempre que te lo tomes con cachondeo, claro y te dejes transportar… A una ciudad fabulosa, completamente reconstruida que sufre un ataque por parte de unos alienígenas y acaban sumidos en la arena más desértica que exista al más puro estilo “Mad Max”, convirtiéndose en una ciudad distópica cañera que lucha por sobrevivir contra los alienígenas más cuquis y monos jamás vistos.

Ciertamente, no vamos a engañarnos, como ya he comentado al principio, esta segunda entrega sigue la misma línea y no se notan apenas los cambios de equipo técnico, ya que es difícil superarse cuando la primera entrega ya supuso un antes y un después en la animación. “La LEGO Película” fue una absoluta revolución del cine animado de la gran pantalla, combinando dos tramas distintas airosamente. Así pues en esta segunda entrega han querido continuar y recrear lo que ya se hizo. Considero que es digna de ver ya que es realmente entretenida y muy hilarante, pero, eso sí, no vayas esperando un milagro ni una LEGO sorpresa, ya que por ahora se les han acabado.

Baldómetro: 4/5

Lo mejor: El entramado de guiños y películas que se ven entremezcladas en una sola, además de su humor hilarante.

Lo peor: La posible previsibilidad de la trama, aunque ¡cuidado! Porque a veces algún personaje confunde a propósito.

Crítica de ‘Bohemian Rhapsody’. Un espectáculo para los fans que enmascara el espíritu de telefilme.

Para disfrutar al máximo de Bohemian Rhapsody te tiene que gustar o emocionar la música de Queen. Esto es así. Desde luego es una película echa para las generaciones que ha crecido/bailado con el We Are The Champions o el Don’t Stop Me Now. Los que sólo la vean por ser para pasar no la tarde sólo se fijarán en los aires de telefilme y sus problemas narrativos. Y es una pena.

La cinta apunta maneras en los primeros minutos con un prólogo, pero luego se mantiene a velocidad de crucero, sin dejarnos tiempo a conectar con los personajes. Con EL personaje. Los inicios de la creación de Queen, la relación de Freddie con la que fue su mujer y los conciertos de los primeros éxitos de la banda se suceden apenas sin coger aire y con un montaje atropellado.

No es hasta más adelante que, gracias al magnetismo que aporta Rami Malek, un montaje más oxigenado y una dirección menos malograda (a saber si es la del acreditado Bryan Singer o el ninguneado Dexter Fletcher), el ritmo y nuestro interés aumentan de forma exponencial. Ahí es cuando tienen toda tu atención. Con las pullas de los miembros de la banda, los excesos de drogas y sexo homosexual (que se va cociendo a fuego lento sin caer en el mal gusto) y el nacimiento de la propio Bohemian Rhapsody.

Pero el clímax de la película llega en el tramo final. Los últimos 20 minutos son un fin de fiesta que personalmente deseaba pero que de ninguna manera esperaba que hicieran. Es una forma emotiva y de esas que te ponen la piel de gallina de acabar el viaje de una estrella a punto de apagarse pero que sigue viva por su pasión desmedida. Sí, lo habéis adivinado: el conciertazo del Live Aid que tuvo lugar en Julio de 1985. ENTERITO. De ahí que sean 20 minutos de infarto.

Es en ese momento donde Malik se entrega por completo. Sus movimientos, sus gestos y su carisma sin caer en la parodia hace que su interpretación sea sublime. Y era difícil hacerlo bien sin que el espectador acabara pensando todo el rato: leches, no es él. No ocurre. Al menos cuando está encima de un escenario. Cuando lleva bigote, unos tejanos decolorados hasta el ombligo y la estrechísima camiseta de tirantes blanca no ves a nadie más.

Lo mejor: El concierto final del Live Aid a pesar de su dirección repetitiva.

Lo peor: El montaje atropellado de la primera media hora.

Baldómetro: 4/5 Buena

[SITGES 2018] Día 6: El show de shows de la mano de Weir-Harris y cine bélico con nazis zombies.

Sexto día baldovalizado, octavo del festival. Sí, octavo. El miércoles día 10 no me llamaba nada, así que me quedé en casa cogiendo fuerzas para la siguiente jornada. Una jornada especial por la proyección de El show de Truman (1997) con la presencia del director Peter Weir y el actor Ed Harris. Y a la noche Overlord con su rollo bélico y experimentos nazis. Con el temido retraso de esas horas…

Sitges Awards: 1) Salir corriendo del Auditorio para no perder el tren fantástico de la 1:30h.


‘EL SHOW DE TRUMAN’, una premonitoria y vinícola vida en directo

A mis 33 años aún hay momentos en que imagino que vivo en un Show de Alex constante. Mi pareja, mis amigos, mi trabajo… si salgo de mi rutina pillo a los de los decorados por sorpresa y a los extras sin saber que hacer. Como os podréis imaginar una proyección de El show de Truman en Sitges no podía perdérmela. Y aún menos con post-screening con Weir y Harris.

Además una proyección en unas condiciones especiales: copia en gloriosos 35mm gracias al propio Weir que la trajo de su colección personal. Lástima que el proyector del cine Prado (aún con el técnico de Kelonik al loro) estaba viejuno, ya que con los cambios de rollo se desenfocaba, en ocasiones fallaba el sonido y parecía que el obturador no estaba muy fino.

¿La película? Sigue siendo un engranaje perfecto donde la historia engancha poco a poco y en la cual los personajes son presentados en su debido momento. Su magia y su emotividad (DIOSSSS la música) consigue que su visionado en varios momentos te saque una sonrisa o hasta una lágrima. Menudo guión y menuda dirección de actores. Han pasado 20 años pero ha envejecido muy bien, como el bueno vino. Es sorprendente como profetizó el poder lobotomizamte de los reality shows y además nos hizo ver con ojos dramáticos a un Jim Carrey que lo petaba con las comedias.

Questions & Answers (Q&A para los amigos)

Tras la proyección saltaron al escenario Weir y Harris para dar comienzo la rueda de preguntas. Fue breve, uno 15 minutos, pero al menos fue interesante. Y Weir me firmó el fotocromo in extremis. I LOVE IT. Aquí un breve resumen:

1) Ni director ni actores podían imaginar el poder premonitorio de la película. Weir sólo quería hacer una fantasía plausible que no tuviera cabos sueltos. Y menuda fantasía.

2) Jim Carrey se metió en el ‘fregao’ gustosamente y estuvo dándolo todo en la interpretación y a la hora de aportar ideas para el guión.

3) Weir disfrutó de estar puliendo el guión durante 9 meses para que no hubiera ningún  cabo suelto. Tuvo una decena de revisiones y al principio era más oscuro.

4) La música de Burkhard Dallwitz es un personaje más pero Phillip Glass fue una pieza fundamental en la banda sonora. Fue el encargado, por ejemplo, de la emotiva escena del reencuentro con el padre.

5) Después de estos años Weir cambiaría un par de detalles del montaje final, pero nada gordo. No quiso decir qué cosas. xD

 ‘OVERLORD’, experimentos nazis a lo Soldado Ryan

¿De qué va?  Un grupo de soldados estadounidenses cuyo avión ha sido derribado horas antes del desembarco de Normandia, durante la Segunda Guerra Mundial, se encontrarán de bruces con una serie de experimentos que los nazis han estado practicando en secreto para tomar ventaja.

¿Quién la hace y quién sale? Julius Avery dirige a un reparto más o menos conocido: Wyatt Russell, John Magaro, Pilou Asbæk, Mathilde Ollivier, Jovan Adepo o Iain De Caestecker.

Mini crítica: Hay que ver lo que puedes disfrutar de una cinta bélica con experimentos nazis de por medio. Sabía que la propuesta, y tener a J.J. Abrams detrás, era una apuesta segura pero no pensaba que fuera tan entretenida y que estuviera tan bien parida.

Para ello el director ha sabido captar los cimientos serio de producciones bélicas como Salvar al Soldado Ryan (1998), con una cuidada producción, personajes carismáticos, diálogos frescos y una dirección efectiva. De hecho es mas sería de lo que uno espera y puede que esta parte sorprenda a los ansias de serie B casposa.

No es hasta la mitad de la película que aparece la fiesta con sueros de laboratorio, zombies, el esperado gore y un villano indestructible, todo ya más cercano a Zombies Nazis (2009) y con un ritmo increscendo. No será recordada dentro del género, ni lo pretende, pero el entretenimiento que nos da al más puro videojuego Wolfenstein es de un nivel superior.

Baldómetro: Buenísima 4,5/5

Crítica de ‘No dormirás’. Las historias para no dormir de Belén Rueda que se pierden entre bambalinas.

El terror es un género que incluye muchas vertientes y puede ser explotado desde muchos ángulos, ofreciendo películas muy dispares con las que deleitar al espectador. En esta ocasión aterriza una co-producción entre España, Argentina y Uruguay que ofrece terror psicológico, casa encantada, entes sobrenaturales, todo ello combinado con un aura de suspense.

‘No dormirás’ está dirigida por el cineasta Gustavo Hernández, el cual sorprendió con ‘La casa muda’ en 2010 y repitió dentro del género con ‘Dios local’, con una propuesta más arriesgada.

La historia se centra en un hospital psiquiátrico abandonado en los años 80, al cual acuden un grupo de teatro vanguardista que experimenta con el insomnio, para preparar una obra que fue creada 20 años atrás por un grupo de pacientes. Con el paso de los días sin dormir, la directora de teatro afirma que se alcanzan nuevos umbrales de percepción, que hace que el artista se enfrente a energías y miedos ocultos, mejorando así la puesta en escena. Bianca, una joven promesa del teatro, se incorpora al elenco, en competencia por el papel principal.

El film se desarrolla en un ambiente que ya de por sí transmite malas vibraciones y crea una tensión estática. La propuesta avanza notoriamente, atrapando al espectador en una puesta en escena perturbadora, que desgraciadamente se acaba desinflando por culpa del exceso de giros de guion que tienen lugar hacia el final. Todo esto crea una confusión que echa por tierra todo planteamiento inicial y acaba siendo una historia muy irregular. Tiene todos los ingredientes del género, entreteniendo y creando terror a partes iguales, pero se abusa mucho de los estridentes efectos sonoros que anticipan la acción.

A nivel de interpretaciones son todas correctas, aunque en ocasiones son histriónicas y forzadas, encajan con los papeles que desarrollan. Entre ellas se encuentran la de Belén Rueda, que ejerce de directora de la obra de teatro, Eva de Dominici y Natalia de Molina que luchan por el papel de la protagonista, mientras que Joche Rubio hace de hijo de la artista interpretando a un chaval dominado por la locura.

En definitiva, la película podría haber funcionado perfectamente, si ese cóctel se hubiera mezclado correctamente, pero la elocuente idea de mezclar temas, se vuelven en su contra.

Lo mejor: La propuesta tiene interés hasta cierto punto, crea una anhelación por saber más sobre el experimento de no dormir en días.

Lo peor: Es un batiburrillo de tramas enlazadas con giros de guion sin justificación.

Baldómetro: 2/5 Regular

ESTRENOS Mayo, 2019

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