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Se acabó lo que se daba. Por tercer año consecutivo me he dejado cuerpo y mente para cubrir el Festival de Sitges. Diez días AGOTADORES en los que el sueño, el cansancio y el hambre fueron los protagonistas. Pero junto a ellos las ganas de ver cine y la ilusión por continuar. Personalmente he hecho casi (algún día haré entrevistas) el año perfecto. Han caído 56 películas en todo el festival (el año pasado fueron 50) y podrían haber sido más si no hubieran habido problemas con las entradas. Muchas malas, algunas buenas y pocas muy buenas, pero aún así menudo festival.

¿Por qué digo lo de terror de calidad, de tetas y de Sushi? Fácil. Lo del terror de calidad porque este año me ha sorprendido la cantidad de películas de género que han sido cojonudas. ‘The Cabin in the Woods’, el remake de ‘Maniac’ o ‘No one lives’ son unos claros ejemplos. ¿Y lo de las tetas? Bueno, eso es un detalle personal que me he ido fijando (soy así de pervertido) pero es que en la mayoría de películas del festival han salido tetas al aire gratuitamente, sin venir a cuento. ¿Y Sushi? Pues porque el aura mágica y carismática del director de ‘Dead Sushi’ y ‘Zombie Ass’, Noboru Iguchi, llenó  los últimos días del festival.

En fin, os dejo con mi TOP5 de películas del festival y un año más agradecer a todos aquellos compañeros que me han hecho la estancia en Sitges más facil. Sin duda lo mejor del festival, estar compartiendo alegrias, desgracias y prisas por los pasillos, las colas y la salas. ¡Gracias muchachos! Y también a todos vosotros, los que estais leyendo esto, los que habéis leído las crónicas (que este año he podido llevar al día tras un gran esfuerzo y completar con la ayuda gráfica de mi hermano) y los que habéis seguido mis frikadas al minuto por mi cuenta de twitter. A todos vosotros: ¡GRACIAS! No haría esto si no estuvieras ahí.

‘The Cabin in the Woods’ porque se sabía que era especial pero no tanto como para ser un peliculón que será recordado dentro del género. ‘Maniac’ porque demuestra que los remakes también pueden ser buenos, originales e impactantes. ‘No One Lives’ porque me sorprendió con su carismático asesino y su potente slasher con muertes brutales. ‘Lo imposible’ porque aunque caiga mal, J.A. Bayona ha creado algo tan impactante como emotivo. Y ‘Seven Psychophats’ por su guión, sus humor negro y su reparto estelar.

Último día. Esto se acabó. Tras diez días intensísimos el apocalipsis del festival de Sitges se finiquitó con la entrega del palmarés y la gala de clausura. Además pudimos ver las tres películas sorpresa que no dejaron indiferente a nadie. ¿Una acierto? ¿Un error? Seguid leyendo…

Palmarés Oficial  de la 45ª edición de Sitges 2012.

 

Era una de las favoritos junto a ‘Antiviral’, pero al final la obra controvertida e inclasificable ‘Holy Motors’, dirigida por Leos Carax, ha sido la gran vencedora de la 45 edición del Festival de Sitges 2012, con cuatro premios, entre ellos los principales: el de Mejor Película de la Sección Fantástica a Competición, el de Mejor Dirección, el de la Crítica y el Méliès d’Argent a la Mejor Producción Europea exhibida en el certamen. Jurado y crítica han coincidido, ¿es la señal definitiva de que se acaba el mundo?

El anuncio de la ganadora a cargo del jurado formado por Nacho Cerdà, Judith Colell, Denise Crosby y William Lustig fue recibida por parte de la prensa presente en la rueda de prensa con grandes aplausos y con más de un silbido. ¡Así es ‘Holy Motors’! Desde 2001 nunca una película había ganado tantos premios como ésta. Y aún así se le ha escapado, de entre los premios importantes, el de Mejor Actor para Denis Lavant. Supongo que ya era demasiado…

Pero bueno, no todo es ‘Holy Motors’. La cinta ‘Antiviral’, del canadiense Brandon Cronenberg’, por su aséptica y por momentos brillante fábula sobre una sociedad que rinde excesivo culto a los famosos, hasta extremos literalmente enfermizos, se llevó los premios de la Crítica a la Mejor Dirección Novel y el de la Mejor Película Oficial Fantàstic Competición otorgada en esta ocasión por el Jurado Joven. Éste también concedió el Premio a la Mejor película de la Sección Midnight X-Treme a ‘Stitches’, de Conor McMahon.

Alice Lowe, actriz protagonista y co-guionista de la comedia negra ‘Sightseers’, de Ben Wheatley, ha obtenido el premio a la Mejor Interpretación Femenina, mientras que el psicópata de ‘Chained’, Vincent D’Onofrio, ha resultado ganador en la categoría masculina. La película de Jennifer Lynch ha sido distinguida con el Premio Especial del Jurado y la de Wheatley con el de Mejor Guión. Las cintas asiáticas ‘The Viral Factor’ y ‘Headshot’ han obtenido los premios a los mejores efectos especiales y fotografía, respectivamente. Por su parte, ‘Robot & Frank’, de Jake Schreier, se ha llevado un comprensible (pero no justificado) Premio del Público.

En las secciones paralelas, la producción canadiense ambientada en África ‘Rebelle’, y que también dará que hablar, será la representante de Canadá a los Oscar, y en el Festival de Berlín Rachel Mwanza fue considerada la mejor actriz, ha sido la mejor película en la categoría de ficción de Nuevas Visiones, y en la de documental ‘Me @ the zoo’. El jurado de Casa Asia ha considerado ‘Dragon (Wu Xia)’ como el mejor film exhibido en el certamen, y ‘Wolf Children’, de de Okami Kodomo, el Mejor Largometraje de Animación. En la sección oficial panorama, en la que concurren producciones de corte fantástico independientes, la elegida ha sido la británica ‘Tower Block’.

Para conocer TODOS los demás premiados sólo tenéis que entrar en la web del festival entrando AQUÍ.

Crítica de ‘Outrage Beyond’. Vuelve Kitano con más de lo mismo.

Sí, todos creímos que Beat Takeshi moría al final de ‘Outrage’. Pero la muerte es algo insignificante al lado de tan imponente figura, por lo que no nos debe sorprender encontrarnos de nuevo con él en esta secuela, dispuesto a alojar balas en el entrecejo de sus enemigos. Y también dispuestos a hacernos aburrir. Como siempre digo no soy un experto en este tipo de cine, pero ”Outrage Beyond’ es igualita a su primera parte, en lo malo y en lo bueno.

La cinta se inicia en el final de la primera y seguimos viendo como varios clanes mafiosos de los Yakuza que se van puteando mutuamente durante toda la película. En la primera parte de la cinta los conoceremos, y en la segunda es cuando aparece un poco la chicha con las diferentes muertes (mención especial a la del beisbol). Las muertes están bien y son contundentes (que no gore) pero la película vuelve a ser lenta, aburrida y sobretodo confusa. Escuchas muchos nombres, ves muchas caras pero no sabes quienes son.

Lo mejor: La contundencia de las muertes.

Lo peor: Tiene un ritmo lento y te pierdes con los nombres. No sabes quien está matando a quien.

Puntuación: 2,5/5 Aprobado justo

Crítica de ‘Beasts of the Southern Wild’. Emotiva y visual ambivalencia.

Si el año pasado el festival nos regalo una joya del calibre de ‘The Artist’, este año nos ha dado unos de esos regalos que son muy bonitos pero que no querías. Se trata de ‘Beasts of the Southern Wild’, una emotiva historia que mezcla realismo y fantasía de forma sorprendente para contarnos la importancia de ser valiente y de superar los miedos. Es bella y visualmente potente, pero en el espectador puede despertar un gran sentimiento de ambivalencia. Como me ha pasado a mi.

A pesar de lo sugerente de la propuesta, no conecté con la historia. A ratos me pareció un tanto deslavazada, insustancial, tramposa por su forma de emocionar (que lo hace sobretodo al final) y encontré repetitivo el uso de la música (excelente, por otra parte). Eso sí, la actuación de la niña protagonista es espectacular y tiene un carisma que se come la pantalla. Emocionará a muchos y les llegará al corazón, pero la apología de la vida rural, de lo auto-suficiente y de la dignidad de la pobreza mezclados con carices fantásticos no me convence.

Lo mejor: La puesta en escena y la composición poética de las imágenes.

Lo peor: La ambivalencia que te crea.

Puntuación: 2,5/5 Aprobado justo

Gala de clausura

De toda la gala de clasura, que este año fue amena y más corta, hay que destacar la entrega del Gran Premio Honorífico, que este año se concede al director irlandés Neil Jordan, un reconocimiento a toda su carrera. Jordan ganó en Sitges en el año 1984 con el film ‘The Company of Wolves’, y ha dirigido títulos como ‘The Crying Game’ (Oscar al mejor guión original, 1992) o la popular ‘Interview with the Vampire’.

Crítica de ‘Looper’. Viajes en el tiempo en primera clase.

La película encargada de cerrar el festival fue ‘Looper’, la esperada cinta de ciencia-ficción y viajes en el tiempo dirigida por Rian Johnson. Las expactativas estaban altas, y puedo decir que la cinta las cumple.  Eso sí, ni es la película de la década, ni será recordada por muchos ni es la nueva ‘Terminator’, simplemente es una muy buena cinta de ciencia-ficción que da lo que promete. Así que balón a los pies, tranquilidad.

Con un guión bien hilvanado y ágil, lo que más llama de ’Looper’ es su equilibrio entre cerebro y corazón. Es ingeniosa e innovadora, sin inducir a la jaqueca que producen los giros y manejos de múltiples líneas de tiempo comúnmente alardeados en este terreno. La premisa está muy bien explicada y la cinta te engancha desde el principio, pero no puedes evitar fijarte en pequeñas incoherencias en el guión que culminan en un final que chirría. Pero ya os digo, me quedo con una película que tenga más corazón que cerebro.

Más cosas. El argumento consume demasiadas energías, por lo que el desarrollo dramático de los personajes se resiente, y las subtramas nos dejaran momentos brillantes como también momentos vacíos. Menos mal que Joseph Gordon-Levitt lleva perfectamente el peso de la película (dejando de lado a Willis) y esos “huecos” los intenta rellenas con su magnifica interpretación, en la que clava los movimientos y tics de su yo futuro (aunque su maquillaje sea demasiado desconcertante).

Lo mejor: Te engancha desde el principio.

Lo peor: Su chirriante final.

Puntuación: 4/5 Buena

Crítica de ‘Spring Breakers’. Los excesos adolescentes vía MTV,

He tenido que dejar reposar mis pensamientos para ver que ’Spring Breakers’ puede ser algo más que una simple tomadura de pelo. Pensábamos que no, pero la película sorpresa del festival cumplió con su cometido y no ha dejado a nadie indiferente. Unos la adoran, otros la odian, pero lo que está claro es que la cinta se distancia de las películas corrientes y nos presenta un producto que parece salido de la MTV al mezclar los videoclips y los programas de reality al estilo ‘Jersey Shore’.

Dejemos atrás la historia de cuatro chicas desfasadas en busca de fiesta que, tras ir a la cárcel por atracar unas tiendas, entran en contacto con un camello y traficante. Que la propia película prácticamente lo hace. El director Harmony Korine deconstruye todos los clichés posibles y durante noventa minutos el espectador se mantiene en una nube, en trance, en éxtasis, mientras que la música cañera de Cliff Martinez y Skrillex se fusiona con la imagen.

Excesos de litros de alcohol, chicas en bikini con las tetas al aire, drogas sintéticas, sexo adolescente, armas de fuego y cientos de referencias pop. A simple vista puede ser un buen cóctel, pero Korine también nos lo presenta de tal forma que la repetición, las imágenes vacías y pretenciosas hacen que nos cansemos de ella. ¿Y la historia? ¿Cuando pasará algo? ¿Pero qué estoy viendo? Estas preguntas surgirán durante todo el principio.

Un principio que cuesta mucho arrancar, y ya os digo, tanto videoclip de MTV (a pesar de las cantidad de tetas al aire) os cansará. Las imágenes son visualmente coloridas y muy potentes y se podría decir que tienen cierta carga poética, pero la paciencia del ser humano tiene cierto límite. Y más si has pagado por verla. Pero entonces, cuando ya estás harto de tanto videoclip y te estás a punto de ir de la sala, entra en acción lo mejor de la película: el personaje de James Franco.

Es cierto que Vanessa Hudgens, Heather Morris, Ashley Benson y Selena Gomez (ésta última no tanto) dan un giro radical a su imagen de chicas buenas siendo exultantes, sexys y provocadoras a más no poder, pero quien nos destroza con su personaje es James Franco. Un inolvidable camello y traficante de los bajos fondos a lo Tony Montana, fan de ‘El precio del poder’ muy pasado de vueltas.  Un personaje que tendrá, junto a las “bitches” de las protagonistas, el momento más delirante y sensacional de la película, en el que lo vemos tocar al piano y cantando el ‘Everytime’ de Britney Spears mientras se intercalan imágenes violentas.

¿Conclusión? ‘Spring Breakers’ es una tomadura de pelo si pagas por ella y vas con ganas ver una película normal, pero si sabes lo que vas puedes llegar a disfrutar de la experiencia cinematográfica que nos propone el director y ver como se te crean una serie de sensaciones y emociones a través del poder de la imagen. Y ocurre. Para bien o para mal, claro.

Lo mejor: El personaje de James Franco con su momento Spears. El rollo de videoclip hasta que no llega a cansar.

Lo peor: Vacía y pretenciosa no es lo que te esperas cuando lees la sinopsis.

Puntuación: 2,5/5 Aprobado justo

Crítica de ‘Paranormal Activity 4′. Mala pero con muchos más sustos.

El momento cumbre del día no era ni la clausura ni la sesión sorpresa, era el estreno mundial de ‘Paranormal Activity 4′. Era tan importante que hasta vinieron la gente de la distribuidora a grabar nuestras reacciones para los futuros videos promocionales o tráilers. ¿El resultado? Sí vale, esta cuarta parte tiene algún que otro susto bien buscado, pero en el fondo sigue siendo más de lo mismo.

Sin embargo, es de agradecer que para innovar algo en la franquicia se hayan buscado nuevas maneras de asustarnos. Videollamadas entre portátiles o un uso inteligente y curioso de la Kinect de la Xbox 360 ayudarán a meternos el miedo en el cuerpo con los recursos de siempre: planos largos, apariciones de golpe y movimientos de cámara estudiados al milímetro. Eso sí, una gran novedad es que los sustos aparecen mucho mas a menudo que en las entregas anteriores, haciendo que el ritmo sea más ágil hasta un frenético final. Un gran acierto.

¿Pero es mala? Claro que sí. Es más de lo mismo. Aunque se hayan incorporado un par de ideas buenas, la originalidad y frescura de la saga está agotada y la historia es muy mala, flojea y cansa. Pero tranquilos, habrán más entregas porque la gente irá en masa a verla en busca de sustos fáciles; y también, todo sea dicho, porque al final de los créditos de esta cuarta parte vemos un indicio de ello.

Lo mejor: El uso de la Kinect y que haya más sustos que en las anteriores entregas.

Lo peor: La historia y la factura es pobre y mala.

Puntuación: 2/5 Mala

Crítica de ‘End of Watch’. Un largo y potente episodio de Cops.

La otra película sorpresa del festival era ‘End of Watch’, un producto que mezcla el cine negro-corrupción-thriller con el found footage dirigido y escrito por David Ayer. La idea es buena y está bien llevado todo el rollo de la cámara en mano gracias al carisma que Jake Gyllenhall y de Michael Peña, pero en general la cinta se podría definir como un potente y largo episodio de la mítica seria de Cops, porque todo ya lo hemos visto.

Lo mejor de la película es esa sensación de peligro que pueden llegar a sufrir los protagonistas. Después de conocerlos, de reírnos con ellos y ver su fuerte amistad,  el peligro de sus incursiones en las bandas de narcotraficantes es más que palpable. Gracias al recurso de la cámara en mano llegaremos a sufrir con ellos y a estar allí con ellos, y se nota desde los primeros minutos de la película con una persecución vista en primera fila.

Lo mejor: La sensación de peligro para los protagonistas.

Lo peor: Realmente todo ya se ha visto y no sorprende.

Puntuación: 3/5 No está mal.

El noveno día de festival empezó con la mala noticia de que la película sorpresa NO era ‘Silent Hill 2′. Un bajón que aumentó al descubrir que la premiere mundial sería de… ‘Paranormal Activity 4′. Además también veríamos dos películas nuevas: ‘Spring Breakers’, del director Harmony Korine, y ‘End of the Watch’, con Jake Gyllenhaal. Pero ya mañana…

Crítica de ‘The ABCs of Death’. Irregular antología sobre la muerte.

26 letras. 26 directores. 26 maneras de morir. La idea no puede ser más simple: a cada cineasta se la adjudica una letra, y se le da total libertad para crear un cortometraje en el que la muerte juegue un papel destacado. De esta manera, ‘The ABcs of Death’ construye una antología de cadáveres exquisitos, pero que, como todos los largometrajes creados a base de cortos peca de ser demasiado irregular.

De todos los cortos yo diría que son muy buenos unos 5 o 6, con lo que el nivel de los demás está entre medio y bajo. Eso sí, da igual la calidad del corto, todos y cada uno de ellos no te dejaran indiferentes por su temática o estética. Hay surrealismo japonés, stop-motion con plastelina, sci-fi, animación, dramas, cámaras lentas, cámaras subjetivas, sexo enfermizo, videoclips… A pesar de ser diferentes y estar en varios idiomas, lo bueno que tienen es que, ya sean malos o buenos, pasan en seguida al durar como mucho 5 minutos. Con lo que la propia película de 2 horas de duración no se hace larga.

¿Y los cortos qué? Bueno, muchos provocan, ofenden y estremecen (la sombra de ‘A Serbian Film’ aún es muy alargada),  algunos divierten y entretienen (los de animación o los japones) y hay bastantes que aburren y pasan sin pena ni gloria…  Hay de todo, pero ya digo, no se hacen pesados. Sin duda lo mejor es ir a verla con un grupo de amigotes y la mentalidad de pasar un rato experimentando con la muerte y también para poder ver a tantos directores haciendo lo que les da la real gana, que hoy en día eso no pasa.

Lo mejor: Unos 5 o 6 cortos encabezados por el de la letra D.

Lo peor: La mayoría son muy irregulares.

Puntuación: No está mal 3/5

Crítica de ‘Seven Psychopaths’. Metacine y asesinos en serie.

Habemus premio del público. Obviamente aún no se sabe el palmarés oficial del festival, pero si tengo que juzgar por la sensación dejada en la sala y por la votaciones de la gente al salir de ella puedo aventurarme a decir que ‘Seven Psychopaths’ se lo va a llevar. Y con razón. Martin McDonagh se ha superado tras la cult movie moderna que era ‘Escondidos en Brujas’ y sencillamente ha parido una un cojonudo y descreido noir donde los asesinos en serie forman parte de una historia divertida, ágil y equilibrada.

Con un reparto magistral que nos engancha desde los primeros minutos en que aparecen en pantalla con sus alocados y desdibujados personajes (sí, hasta Colin Farrell), McDonagh parodia el mundo de hacer cine y de los gángsters con un magistral ejercicio de metacine que bebe de Tarantino en sus diálogos brillantes llenos de un humor negrísimo. Además la cinta hace una oportuna reflexión sobre el uso o no de la violencia. Sin duda una de las imprescindibles del festival.

Lo mejor: Lo diálogos ácidos y descarados interpretados por unos grandes actores.

Lo peor: El ritmo baja a mitad pero remonta al final.

Puntuación: 5/5 Muy buena

Crítica de ‘Sinister’. Algún susto efectivo y poco más.

Qué decepción con ‘Sinister’. De todos los días del festival no recuerdo ninguna película que haya salido decepcionado y que llegue al nivel de ésta. Se suponía que era la ‘Insidious’ de este año, pero nada más lejos de la realidad, se trata de una floja, fría y olvidable propuesta de terror con una historia de manual que he visto muchas veces. La gente busca algo más que sustos con música de estridente.

El director Scott Derrickson innova dejando un cuento de terror a la vieja usanza que mezcla demonios, el found footage con películas en Super 8 y una mirada sobre la infancia tremendamente perturbadora, que empieza correctamente, pero que luego acaba siendo de manual, llena de tópicos, sin fuerza ni chicha y con una historia que cansa.

Es cierto que en el fondo es lo que vende, porque tiene unos cuantos efectivos y simples sustos que hará levantar de la butaca a más de uno, pero debido a la cansina narración no te consigues meter en la película para estar en tensión o pasarlo mal. No se dan cuenta de que hay gente que busca algo más que el efectismo más barato de sustos con música a toda pastilla. Y si no eres así tranquilo, con ‘Sinister’ ya cumplirás tu cupo de terror barato para ver en una multisala.

Lo mejor: Los 3 o 4 sustos a lo largo del filme.

Lo peor: Pretende innovar pero acaba siendo como todas las demás. No te lo hace pasar mal.

Puntuación: 2/5 Mala

Maratón: La noche + Zombi

Tras el maratón Japan Madness del día anterior otra de las citas imprescidibles era el clásico maratón Zombi. Y al igual que con Japan Madness al final no me quedé a la tercera películas, así que “sólo” me vi la entretenida ‘Cockneys Vs Zombies’ y ‘Zombie Ass: Toilet of the Dead’, la otra ida de olla del director Noboru Iguchi.

Vamos con lo fácil. ‘Cockneys Vs Zombies’ es una copia bastarde de ‘Shaun of the Dead’ pero con más muertes y menos humor. Entretiene por su ritmo y sus personajes, pero tienen la sensación de que lo que estás viendo ya lo has visto muchas veces. Aún eso sí ya os digo, se deja ver.

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El director Scott Derrickson.

Lo bueno venía después.  Noboru Iguchi vuelve a sorprendernos (tras volver a hacer de showman en la presentación) una trabajo suyo demencial. 'Zombie Ass: Toilet of the Dead' nos narra como un padre, científico loco, en un desesperado intento por salvar a su hija enferma, termina creando una nueva raza de pequeños monstruos, cuyos huevos quedan implantados en el interior del cuerpo humano. Y cuando los bichos nacen... ahí empieza lo bueno. Una cinta que es aún más de demencial y loca de lo que aparente a simple vista.

Eso sí, al contario que 'Dead Sushi', esta cinta empieza con una factura seria y con poco humor. Se nos presentará a los personajes y no será hasta la primera aparición de un zombie surgido de las profundidades de la mierda que no se irá de madre. Escatológica, nauseabunda, e hilarante, la película hace uso de la efectividad primaria y grosera al que nos tiene acostumbrados el director para jugar con primeros planos de culos, de tetas, de pedos con sangre, nubes de gas o propulsores, de gusanos que entran y salen por cualquier orificio, del gore más asqueroso... No tiene desperdicio.

El octavo día del festival fue el más “descansado” ya que tuve un porrón de horas para poder escribir, comer sin prisas y descansar. Por la mañana ‘Pietà’, por la tarde ‘A Fantastic Fear of Everything’ y ‘The Tall Man’, por la noche ‘Invasor’ y a la madrugada el esperado maratón Japan Madness con ‘Dead Sushi’ y ‘Sadako 3D’, a la tercera no me quedé. En resumen un día tranquilito en el que lluvia volvió a ser protagonista. Qué sería un festival de Sitges sin ella, ¿verdad?

Crítica de ‘Pietà’. Ya lo dicen: madre no hay más que una.

Reconozco que no soy muy fan del cine del surcoreano Kim Ki-duk, pero eso no quita que me haya gustado ‘Pietà’, su nueva película que fue noticia cuando ganó el León de Oro en la última edición del Festival de Venecia. La cinta es un demoledor y cruel drama en el que se retrata el capitalismo en Corea del Sur y sus efectos más perversos en las relaciones personales con las madres como eje principal.

¿Cómo podría ser la venganza de una madre que ha perdido a su hijo? ¿Hay acaso algún dolor mayor a la pérdida de un hijo? Con estos dos preguntas de base, el director crea una absorbente trama de venganza, culpa y redención que conecta con el espectador, y una conmovedora historia de amor que irá aguantando bien el tipo. Lo de ‘Pietà’ es que tiene mucho momentos que sobran por reiterativos, cargantes y lentos, pero con el poético giro final Kim Ki-duk compensa lo malo del filme.

Lo mejor: El giro final.

Lo peor: La repetición de contenido de algunas escenas.

Puntuación: 3/5 No está mal

Crítica de ‘A Fantastic Fear Of Everything’. Paranoia tan divertida como fallida.

Todos conocemos a Simon Pegg. Su registro cómico es innegable y muchas veces salva una película que si no estuviera él pasaría sin pena ni gloria. Y precisamente este es el caso de ‘A Fantastic Fear Of Everything’, la ópera prima de Crispian Mills que quiere ser tan excéntrica, extraña y graciosa que se pasa de rosca, convirtiéndose básicamente en unos forzados, alargados y teatrales sketch con un hilo conductor.

¿Teatrales? Sí, porque como el propio director a explicado, la cinta está claramente diferencia en tres actos, como si se tratara de una obra teatral. Llena de secuencias oníricas, fragmentos animados, y un aire al cine experimental de los años 60, la cinta se convierte en un tour de force demencial de su protagonista que acabará cansando más que haciéndonos reír. Aunque nos reímos bastante, ¿eh? Por eso Pegg borda su personaje paranoico y esencialmente salva la película.

Lo mejor: El segundo acto, el de la lavandería.

Lo peor: Se pasa de rosca y te hace desconectar con tanta excentricidad.

Puntación: 2,5/5 Aprobado justo

Crítica de ‘The Tall Man’. Algo más que secuestrar niños.

‘The Tall Man’ es mucho más de lo que parece. Bajo esos aires de drama de serie B con un tema facilón y simple como el de una especie del hombre del saco que se lleva niños en un pueblo de mala muerte, nos encontramos con una cinta que nos engaña para ofrecernos algo distinto a lo que esperábamos ver, con un cuyo mensaje tan profundo, reflexivo y polémico que te abofetea en plena cara. Pascal Laugier se la ha jugado y bajo mi punto de vista le ha salido bien.

No quiero spoilearos a saco las cosas así que simplemente diré que uno de los giros de guión cambian completamente la dirección de la cinta. Aquí pueden pasar dos cosas: que te guste o que lo odies. Depende de las convicciones y moralidad de quien la mire, y sobretodo sí sólo has pasar un rato a un cine multisalas. Para mi es un cambio radical necesario que ayuda a que una cinta de terror que, pese haber empezado bien, iba bajando de intensidad. Y eso que Jessica Biel convence y aguanta bien el peso de la cinta.

El  tema que propone Laugier y como lo propone escandalizará a muchos, seguro, pero también le da otro enfoque al tema de los niños secuestrados y sobretodo le añade un misterio añadido que va aumentado y que te mantiene pegado a la butaca. Polémica, inesperada y con más sorpresas que un huevo Kinder, ‘The Tall Man’ no dejará indiferente a los que la vean.

Lo mejor: Todo el misterio sobre el hombre de el saco a partir del giro radical.

Lo peor: El cambio brusco de dirección chocará y enfadará a los que sólo quieran ver una cinta más de terror.

Puntuación: 4/5 Buena

Crítica de ‘Invasor’. Eso no te lo crees ni tú…

‘Invasor’ supone la vuelta detrás de las cámaras del barcelonés Daniel Calparsoro tras un descanso de siete años, pero después de verla es mejor se hubiera quedado donde estaba. No creáis que exagero cuando os digo que la cinta es mala con ganas. Con un guión flojísimo lleno de despropósitos, con unos diálogos absurdos que te provocan risa cuando no deberían y con una premisa que no te creas, la cinta de Calparsoro no convence en ningún momento.

Partimos de la base de que el motivo por el que se mueve el protagonista es inverosímil y falso. Si nos pusiéramos en su piel ni de coña haríamos todo lo que hace, y si para empezar ya no te crees eso está claro que no entras en el juego de la película y que desconectas en seguida. Además, no ayuda que el guión tenga tantos fallos que no queda bien ni a la hora de hacer su crítica social ni de explicar la chicha de la película con unos cansinos flashbacks.

Sin embargo se destacan dos cosas de ella: las interpretaciones de Antonio de la Torre, Karra Elejalde e Inma Cuesta (que le dan mil patadas a la forzada y sin carisma de Ammann) y la secuencia de la gran persecución en coche. Creíble, con un ritmo trepidante y bien dirigida pero que ni de sobra compensa el despropósito que estamos viendo.

Lo mejor: La secuencia de la persecución y su puesta en escena.

Lo peor: El guión con todos su despropósitos.

Puntuación: 2/5 Mala

Japan Madness: La cachonda ‘Dead Sushi’ y la aburrida ‘Sadako 3D’.

El director Noboru Iguchi está igual de tarado que su creación ‘Dead Sushi’. Pero eso sí, es un showman de mucho cuidado. Antes de verla se subió a presentarla y estuvo tan alocado y conectó tan rápido con nosotros que nos propuso un par de juego: decir bien alto la palabara ‘Sushi’ cuando saliera sushi en pantalla. Un ejemplo de que la película de Iguchi es una cachonda y absurda orgía de arroz y pescado crudo al servicio del gore más gamberro.

Al igual que con ‘Drácula 3D’ esto te lo esperabas, pero a diferencia de ella es tan mala y disparatada que la acabas aceptando. Desde los primeros minutos las carcajadas irán apareciendo (y más si todo el cine nos ponemos a gritar “Sushiiiii”) y se quedarán durante toda la película mezclando las escenas exageradas, surrealistas y absurdas con FXs tan caseros como digitalmente cutrillos. El drama, la acción, el erotismo (volvemos a las tetas en primer plano, algo ya característico del festival) y las moralinas se darán de la mano mientras vemos como los mortales trozos de sushi cantan, vuelan, hablan, muerden, desmiembran y, sobretodo, nos hacen reír.

La otra película que vi en el maratón fue  ’Sudaku 3D’, una secuela de ‘Ringu’ actualizada al mundo de internet y de los smartphones con un 3D efectista en lo que se refiera a los sustos. Más allá de eso la película acaba siendo una fallida y aburrida cinta de terror sobrenatural que mágicamente acaba convirtiéndose en película de bichos que van a cuatro patas. Además llega a un punto que cansa y estás desando que acabe, pero por desgracia la cinta se alarga hasta la saciedad.

¿Día 7 ya? Es curioso, los primeros días del festival se te pasan como meses pero cuando ves que ya te queda poquito es cuando más rápido transcurren. Sólo quedan 3 días de festival (¡que eso no es ná!) y se va notando poco a poco el bajón de películas que me veo. En ssta nueva jornada pude verme más, pero al final para descanar un poco más y escribir las crónicas, sólo me vi cinco películas: ‘Tower Block’, ‘Grabbers’, ‘The Weight’, ‘Wrong’ y ‘Antiviral’.

Por cierto, también la séptima jornada también fue el primer día de lluvia del festival. Saliendo de ver ‘Antiviral’ no veáis la que cayó… xD

Crítica de ‘Tower Block’. Sencilla pero entretenida cinta británica.

Un francotirador que tiene aterrados a los vecinos de la última planta de un bloque de pisos. Estas son las premisas que me gustan. Me acerqué a verla, tras un buen madrugón, y he decir que aunque ‘Tower Block’ podría ser mucho más de lo que es, acaba siendo una cinta entretenida que saber aguantar bien el tipo gracias a las interpretaciones de los actores, ya que el frágil guión hace aguas por todos lados.

No entiendo como una película tan “sencilla” y que ocurre en un mismo sitio tiene fallos de guión tan importantes. Sin contar algún que otro personaje inverosímil (ojo, personaje, no interpretación de los actores) el guión sufre de situaciones forzadas, imposibles y con todos los tópicos de este tipo de thrillers, que se enfatizan más en el decepcionante final.  Aun así, la cinta sabe mantener bien la tensión y el ambiente sombrío y peligroso llegan al espectador gracias, una vez más, a los actores.

Lo mejor: Las interpretaciones de los actores.

Lo peor: El enormes (y evitables) fallos de guión.

Puntuación: 2,5/5 Aprobado justo

Crítica de ‘Grabbers’. Irlandeses borrachos con bichos de espacio.

‘Grabbers’ prometía hacernos pasar un buen rato y así fue. A medio camino entre ‘Critters’ y ‘Temblores’, la cinta del director irlandés Jon Wright es una propuesta simpática, entretenida y con mucho humor que nos hace salir de la sala con un buen sabor de boca. No aporta nada nuevo dentro del género, pero la premisa de ver a un grupo de irlandeses borrachos enfrentarse a unos bichos tentaculares del espacio exterior es original y da bastante juego en la trama.

A la cinta le cuesta arrancar debido a su poco brío y ritmo, pero al menos tenemos tiempo de sobras para conocer a los protagonistas, ver que el guión tiene unos diálogos tan brillantes como efectivos y disfrutar de la preciosa música al estilo de ‘Super 8′. Eso sí, cuando empiece lo bueno, el ritmo subirá exponencialmente y cada vez será más entretenida y gamberra.

Generosa en monstruos y bichos, que por cierto gozan de un buen diseño y unos más que aceptables CGI, ‘Grabbers’, es una buena película para recuperar una vez más el espíritu Amblin de los años 80. No es como ‘Attack the Block’, pero tampoco lo pretendía.

Lo mejor: Los diálogos y el humor.

Lo peor: El arranque en ralentí.

Puntuación: 4/5 Buena

Crítica de ‘The Weight’. Un poético drama más deprimente que provocador.

Se suponía que ‘The Weight’  era uno de los platos fuertes del día descrito por muchos como un escándalo ofensivo, enfermizo y violento, pero amigos, nada más lejos de la realidad. El surcoreano Jeon Kyu-hwan firma un drama macabro de seres marginales bastante soporífero que, a pesar de empeñarse a afear el sexo y conjugarlo con la muerte, y de usar una poesia mugrienta con escenas de incesto gay, violaciones y necrofilia, se define más como un producto triste y deprimente que provocador. Lo contrario qe nos habían vendido.

El director hace auténticos equilibrios sobre la estrecha barra que separa el delirio de la realidad con una historia de un jorobado con tuberculosis que trabaja y vive en una morgue y la relación con su hermana transexual amargada. Cadáveres que danzan, humanos que se sienten como monstruos o los traumas infantiles son una muestra de las obsesiones de su Kyu-hwan que convierten la película en algo demasiado personal y de difícil digestión. Muchos no lo aguantarán.

Lo que se ve en pantalla es bastante duro en la vida real, es cierto, pero en la película, debido al uso de la ya clásica poesía oriental que no entiende el dolor sin la belleza, las escenas dramáticas serán demasiado lentas y espesas, además lo peor de todo es que en lugar de tocarnos la fibra nos aburren o nos hacen reír. Una auténtica desconexión que hará que la película se haga insufriblemente larga y que la tentación de dejar de verla aparezca en varias ocasiones.

Lo mejor: Toda la atmósfera deprimente y mugrienta de la vida del protagonista.

Lo peor: Las lentas y cargantes escenas dramáticas que en el fondo hacen reir.

Puntuación: Muy mala 1/5

Crítica de ‘Wrong’. El humor absurdo y la lógica ilógica.

Dolph se levanta una mañana y descubre que su perro ha desaparecido. Desesperado iniciará una búsqueda para recuperarlo y en su camino se cruzará con situaciones y personajes surrealistas. Con esta premisa el director Quentin Dupieux vuelve a Sitges después del gran éxito obtenido el año pasado con ‘Rubber’. Dupieux se ha desprendido de los excesos más exhibicionistas de su obra anterior y ahora con ‘Wrong’ atenta contra los cimientos más básicos de nuestro raciocinio dejándonos una tras otra, y sin descanso, secuencias hilarantes y surrealistas con diálogos absurdos que nos harán reir en todo momento.

Y el show empieza desde el minuto uno, cuando en el despertador del protagonista el reloj pasa de marcar las 07:59 a marcar las 07:60. Puede parecer insignificante, un gag sin aparentemente gracia, pero en realidad es la pura esencia de una película que agita el concepto de coherencia y que consigue la complicidad del espectador.

El ritmo sufre algún que otro altibajo debido a que hay momentos en que Dupiex está más preocupado por la extravagancia que por seguir la historia, pero menos mal que parece que recapacita e introduce algún diálogo nuevo o algún personaje secundario para seguir hace riendo al personal.

Está claro que si no entras en el juego sólo verás un montón de ideas y personajes secundarios absurdos, estúpidos y sin gracia, pero por el contrario, si lo haces y te dejas llevar, descubrirás que la película se descubre a si misma hasta abismos insospechados. Ojo a los secundarios que no tienen desperdicio, destacando a un William Fichtner entregado.

Lo mejor: Los diálogos cada vez más disparatados.

Lo peor: Si no eres cómplice de todo, simplemente verás una chorrada como una casa.

Puntuación: No está mal 3/5

Crítica de ‘Antiviral’. Compartir virus de famosos a cualquier precio.

Si el otro día teníamos a la hija de David Lynch, ahora le toca el turno del debut de Brandon Cronenberg, el hijo de David Cronenberg. ‘Antiviral’ una propuesta interesante, fascinante y valiente que inevitablemente bebe mucho de las primeras películas de su padre, de sus principios estéticos y teóricos. La historia nos presenta un futuro albo en el que el culto por la fama se ha desproporcionado de tal modo que existen clínicas que ofrecen la posibilidad de infectarse con las mismas enfermedades que padecen los famoso.

De tonos blancos y gélidos y de un ambiente malsano y enfermizo, la cinta irá desarrollando la interesante premisa y empezará a escarbar en las profundas reflexiones sobre el fanatismo y adoración de los famosos, el espionaje industrial y el mercado negro. Y todo ello con las ganas de incomodarnos, que lo consigue, con todo tipo de pústulas, erupciones, sarpullidos y vómitos sanguilontitos a tutiplen.

El problema que sufre la película es que ese interés creado por la premisa se diluye a medida que la lenta narración, el enrevesado argumento en su tramo y su excesiva duración eclipsan todo lo bueno que tiene. Eso sí, una cosa sale indemne de todos los fallos: la brillante y soberbia interpretación de Caleb Landry Jones, que consigue hacernos transmitir todo lo que sufre el protagonista de esta historia futurista.

Lo mejor: Su estética y sus reflexiones.

Lo peor: Su ritmo y narración bastante lenta.

Puntuación: No está mal 3/5

El sexto día fue un mal día. Dejad que me explique. Después de verme 8 películas y de dormir una mierda, lo que menos me apetecía era tener que aguantar una jornada de películas malas, densas y lentas. Y por desgracia así fue. ‘Chained’, ‘Cosmopolis’, ‘Juego de niños’ y ‘Berberian Sound Studio’ fueron poco a poco desanimándome y llevándose mis fuerzas. A mi y a todos los demás, claro. Menos mal que a la noche algo pude descansar durmiéndome en la proyección de ‘Drácula 3D’. Sí, ya no podía más… xD

Crítica de ‘Chained’. El horror de como se crean los monstruos.

Despues de ‘Surveillance’ y de un intento fallido de rodar una epopeya en la India, la directora Jennifer Lynch nos deja con ‘Chained’ su trabajo mas oscuro y perturbador. El filme se articula alrededor del vínculo que mantienen un psicópata asesino y violador de mujeres y un niño, hijo de una de sus víctimas, al que cría encadenado con él. Como resultado tenemos una correcta cinta que nos habla de cómo se crean los monstruos, destacándose más con el horror que desprende, que por su calidad, casi sacada de un telefilme.

La película mezcla el terror más físico, usándolo fuera de cámara y dándole rienda nuestra a nuestra malsana imaginación, con el thriller psicológico que pondrá a prueba a más de uno. El problema es que eso no durará mucho, y el juego tenso de secuestrador-secuestrado acabará siendo una relación paterno-filial monótona y lenta que irá desgastando el ritmo de la cinta.  Sin embargo, es de agradecer el inesperado giro final que plantea el argumento y sobretodo la brillante y contundente interpretación de Vincent D’Onofrio, quién se mete en la lista de los psycho-killers más escalofriantes.

Lo mejor: El principio y la interpretación de D’Onofrio.

Lo peor: El bajón que pega a la mitad siendo aburrida y lenta.

Puntuación: Aprobado justo 2,5/5

Crítica de ‘Cosmopolis’. La próstrata tecnocapitalista de Cronenberg.

‘Cosmopolis’ no es una película fácil. David Cronenberg vuelve a renovarse entregando una cinta densa y lenta que ahonda en la palabra y en el capitalismo de una manera que posiblemente nuestro cerebro no será capaz de procesar ni aguantar. De primeras el reto ya es mayúsculo: encerrarnos en una limusina, en la que viaja un joven empresario, mientras vemos como plantea un sinfín de preguntas retóricas y abstractas a los diferentes personajes que vemos en pantalla y en diferentes escenarios mientras su mundo perfecto y hedonista se viene abajo.

A partir de esa premisa Cronenberg usa planos extraños, hipnóticos y con movimientos de cámara lentos para retratar el fin del mundo a través del cuero y los cristales blindados de la limusina, de las pantallas táctiles con datos circulando a altas velocidades, de diálogos abstractos y profundos sobre el ser y la nada, del Yuan y el Baht (el dinero chino y tailandés), con tensión sexual a base de próstatas asimétricas, con deseo refrenado, con ratas gigantes tomando las calles de Manhattan y sobretodo, a través  de la correcta y creíble interpretación de Robert Pattinson, encarnado a un personaje que se entrega a su propia destrucción.

Si aguantas el visionado de la cinta seguramente saldrás con dolor de cabeza por el exceso de información. O puede que no. De hecho hay dos grupos: los que entran en el juego de la película siendo cómplices de la misma, y los que acaban aburridos, saturados y descompuestos. Miradla y elegid bando. Pero cuidado, que es es de difícil digestión y se os puede atragantar.

Lo mejor: Alguna que otra escena llegar a sorprendernos por su metáfora y concepto.

Lo peor: Los diálogos abstractos y densos.

Puntuación:Mala 2/5

Crítica de ‘Juego de niños’. Otro ejemplo de los malos remakes.

Chicho Ibañez Serrador revolucionó el género con ‘¿Quién puede matar a un niño?’. Ahora, tres décadas más tarde, el director bielorruso Makinov recuerda aquel clásico con un remake del que hace las labores de director, productor, guionista, director de fotografía y demás… No sé si será una adaptación fiel o calcada a la original, porque no he visto la de Chicho, pero lo que sí sé es que esta cinta es aburrida y muy floja para tener un argumento tan potente. Es cierto que hay momentos de tensión y bastante interés, sobretodo al principio, pero a medida que avanza se ve que el director ha puesto el piloto automático y que todo se desarrolla precipitadamente. Hasta su sanguinario final.

Lo mejor: El principio de la película.

Lo peor: Te acaba aburriendo.

Puntuación: Mala 2/5

Crítica de ‘Berberian Sound Studio’. Hipnótico y aburrido ejercicio de metacine.

‘Berberian Sound Studio’, la segunda película del británico Peter Strickland, es una celebración del cine como artefacto, como un perverso dispositivo capaz de penetrar en lo consciente y lo real de la mente humana para convertirlo todo en un simulacro. El sonido y el montaje son los auténticos protagonistas de esta historia (con permiso de Toby Jones) y como resultado nos dejan un ejercicio hipnótico y claustrofóbico. Pero también un ejercicio lento, aburrido, frustrante y cuyo sentido aún estás buscando después de verla.

Cine dentro de cine, el conocido “metacine”, ese es el genero en el que debe clasificarse en mayúsculas esta críptica película  y no en el subgénero italiano. Aunque está claro que la cinta se sirve de los códigos estéticos del giallo para articular un discurso sobre la propia naturaleza del cine y su intrínsica capacidad de manipulación. Una maravillosa manipulación que durará hasta la mitad del filme, luego será cuando no empecemos a entender nada y se rompa el hilo de la historia. A partir de ahí se vuelve tan confusa y liante que parece que estés viendo el video abstracto de algún museo contemporáneo.

Lo mejor: El juego de metacine entre la propia película y el giallo italiano.

Lo peor: A partir de un momento no entiendes nada. Se hace larga, lenta y aburrida.

Puntuación: 2/5 Mala

Crítica de ‘Drácula 3D’. Un maestro venido a menos con algo… horrible.

¿Por qué? y ¿Hacía falta?. Estas son las dos preguntas que habría que decirle a Dario Argento tras ver su nueva y última película. Estamos ante la peor película de un maestro venido a menos que parece haber desaprendido el arte de dirigir cine. Por el tráiler que circulaba en la red ya se sabía que ‘Drácula 3D’ sería algo horrible, pero no me imaginaba que lo fuera en proporciones mastodónticas. Tanto que quiero creer que Argento nos está tomando el pelo y que realmente la ha hecho así de mala a proposito.

La cinta es cutre, casposa, impersonal  tiene efectos baratos, interpretaciones teatrales muy pobres y una historia que haría revolverse en su tumba al mismísimo Bram Stocker. Una cinta que pese a tener una buena ambientación y una buena banda sonora, acaba siendo una comedia involuntaria en los momentos más inesperados con sobredosis de tetas al aire (en un 3D plano), con los chorros de sangre en CGI o al ver apariciones estelares de bichos de todo tipo (ojo al MOMENTAZO de la mantis religiosa).

Lo mejor: Los trozos de comedia involuntaria.

Lo peor: El aspecto cutre y casposo que desprende todo el conjunto.

Puntuación: Mala 2/5

María Honorífica a Enrique Cerezo

Antes de “disfrutar” la nueva película de Dario Argento, el productor Enrique Cerezo recibió el premio María Honorífica. El productor, y también presidente del Atlético de Madrid, ha sido reconocido por su trayectoria como productor en el cine español con películas como ‘La buena estrella’, ‘El perro del hortelano’, ‘Otros días vendrán’ o ‘La vida de nadie’.

Llegando el ecuador del festival qué mejor que soltar un par de récords personales: el haber visto 8 películas el mismo día (no me lo creo ni yo) y el llevar en total casi 30. Un traca de películas en las que hubo de todo, buenas y malas, y en las que el cansancio hizo aún más presencia. Sin embargo, prefiero que hayan muchas películas y que haya un poco de todo, a que vea pocas y encima éstas sean malas, como en el día 6. Pero eso ya será mañana… ¡Vamos con la 5ª jornada!

Crítica de ‘Sightseers’. El poder del amor en un perverso y retorcido juego letal.

El director británico Ben Wheatley regresa con ‘Sightseers’, una comedia inglesa con humor negro, violencia y crítica social a raudales. Una road movie a través de idílicos y bucólicos paisajes, en la que una pareja treintañera, inicialmente de aspecto de lo más normal e inofensivo, sacará a la luz su lado más oscuro y desquiciado, asesinando a todo aquel que les ha cometido alguna pequeña ofensa. Una propuesta interesante que se queda en algo absurdo y cansino.

El guión tiene puntos débiles y en algunos momentos parece que no sepa por donde tirar, haciendo que sea lenta, cansina y ridícula si no entras en el juego de esa pareja que se va mini-vacaciones en caravana a lo largo y ancho de la geografía británica. Te hace sacar alguna que otra carcajada y su potente banda sonora repleta de hits ochenteros se agradece, pero esta es una película exclusivamente para los que disfruten del cine de Wheatley y del humor inglés poco convencional.

Lo mejor: Los diálogos del antes y el después de las muertes.

Lo peor: Es una cinta sólo para los que le guste el humor inglés retorcidísimo.

Puntuación: Aprobado justo 2,5/5

Crítica de ‘Robo-G’. Risas y humor con el yayo-robot.

Si el otro día pudimos ver a Frank Langella formando una extraña pareja con un robot en ‘Robot & Frank’, ayer en ‘Robo-G’ hemos visto a un abuelete muy vital que se mete dentro de la carcasa de un robot para salvarle el pellejo a una panda de frikis a los que, tres días antes de la presentación de un prototipo en una feria robótica, se les rompe completamente. Como resultado tenemos una simpática cinta japonesa que, pese hacerse larga para lo que cuenta, te hace pasar un buen rato haciéndote reír en muchas ocasiones,

La premisa es interesante y lo que vemos es tan vagamente familiar que hay que rebuscar un poco en nuestra memoria cinéfila para dar con la mítica ’Sra. Doubtfire’ de Robin Williams o aquel episodio de ‘Los Simpson’ en que Homer hace lo mismo. Eso sí, todo contando con un aire más infantil y con el humor y los gags característicos de los animes japoneses, aunque hay que reconocer que no son tan cansinos ni tan surrealistas. ‘Robo-G’ nos deja un buen sabor de boca y no se esperaba menos de un producto así.

Lo mejor: Las altas dosis de humor.

Lo peor: Se hace larga.

Puntuación: Buena 4/5

Crítica de ‘Safety Not Guaranteed’. Sci-fi indie más complejo de lo esperado.

El debut en la dirección de Colin Trevorrow, como él mismo ha comentado antes del inicio de la proyección, se basa en un homenaje a la cultura friki que tanto conocemos, y más concretamente en los viajes en el tiempo. Sin ponernos a comparar con cintas de Deloreans, ‘Safety Not Guaranteed’ es una divertida comedia low cost de ciencia-ficción con el buen hacer tanto en la dirección como de sus protagonistas que es mucho más compleja de lo que aparenta a primera vista. Hay que mirar más allá de la superficie para entenderla y sobretodo aceptarla.

La película empieza siendo una comedia indie resultona y con un tono vitalista, pero a medida que la historia vaya avanzando poco a poco se dejará de lado el tema sci-fi para cambiar de género y hablarnos de las relaciones de pareja, del pasado que lamentamos haber dejado atrás y del amor, a través de un guión bien hilvanado. Este cambio progresivo no nos choca tanto como cabría esperar, pero aún así no puedes evitar pensar que lo que estás viendo no es lo que has venido a ver. Y seguro que más de uno se cabreará por ello.

Pero, insisto, la película es mucho más de lo que aparenta. Y sólo una vez que has visto el final, la imagen completa (que por cierto si aplaudes el momento cumbre es que te has implicado en ella y que lo has pillado) te das cuenta de que todo el rollo sci-fi de creer si hay o no una maquina del tiempo tiene mucho que ver con los temas que nos mete a la fuerza. Un maravilloso y bello paralelismo orquestado perfectamente por Trevorrow para tocar el delicado tema de que en las relaciones de pareja en las que a veces que hay que dar un salto de fe.

Lo mejor: La sensación que te queda cuando la entiendes al final.

Lo peor: El cambio de género y dejar de lado el sci-fi dejará a cuadros a más de uno.

Puntuación: No está mal 3/5

Crítica de ‘Headshot’. Un tostón noir al estilo Tailándes.

La nueva película de Pen-ek Ratanaruang, ‘Headshot’, se aferra a las leyes más duras del thriller noir pero por desgracia consigue un producto tan decepcionante como aburrido.Un guión pobremente trazado en diferentes línes temporales, giros y sorpresas insuficientes y planos largos y estáticos pondrán a prueba tu paciencia y deberás la resistir de abandonar la sala.

Pero también tiene cosas buenas. Si te piras de la sala te encontrarás con un algo más que decente critica al sistema y la corrupción que domina el país. Además, los pocos momentos violentos y de acción sorprenderán por el uso de cámara en mano de forma tensa y agresiva que contrasta con la exquisita puesta en escena. Algo es algo, ¿no?

Lo mejor: El uso de la cámara en las momentos de acción.

Lo peor: El ritmo lentísimo que hace que la cinta sea un tostón.

Puntuación: 1/5 Muy mala

Crítica de ‘Animals’. Un proyecto demasiado personal.

La mayoría de gente no esta preparada para una película como ‘Animals’. El catalan Marçal Forès ha creado una ópera prima demasiado personal, cifrada y llena de posibles lecturas que hará que cada persona saque sus propias conclusiones al fina basándose e sus experiencias personales. Vamos, que se trata de una de esas películas que divide a la gente y que hay que dejar reposar para intentar entenderla.

Reconozco que la cinta no está hecha para mi cerebro y ese simple hecho hace que el visionado de ésta sea haga pesado, lento y que produzca hasta cierto rechazo. Eso sí, lo que todo el mundo podrá entender es que la cinta trata varios temas, como el (a veces) traumático paso de adolescente a adulto con todo lo que dejamos atras y las experiencias y emociones que sentimos en ello.

Dejando de lado el tema metafórico y personal de la película hay que comentar que los jóvenes actores protagonistas son muy naturales y sus personajes saben llevar bien el peso dramático de las escenas clave. Obviamente mucho más el protagonista, que llevará a cabo un camino largo y difícil de redención personal acompañado siempre de su fiel oso de peluche amarillo. Un oso que oculta una de esas lecturas que tanto dará que hablar…

Lo mejor: La parte estética y la llamativa banda sonora, que pondrá un buen contraste a algunos momentos tensos.

Lo peor: No es una película para todo el mundo.

Puntuación: 2/5 Mala

Post-screening de ‘Animals’

Después de la proyección de ‘Animal’ tuvo lugar un post-screening en la sala Tramunta y me acerqué para ver que demonios nos quería decir Forés con la película. Y de hecho esa fue la primera, y aplaudida, pregunta hacia el director catatán. Éste no se cortó y reconoció que “cada espectador puede interpretar su propuesta fílmica como lo desee”, aunque en este caso lo que le interesaba tratar era “la trayectoria de un chaval, Pol, que se hace mayor y toda la farsa que puede esconder el paso a la madurez”.

Influenciado por el manga, la música y el cine indie estadounidense, el cineasta cree que ha conseguido una película “peculiar”, en la que el público es mejor que no se haga “demasiadas preguntas”. Incluida en la sección oficial Fantastic Gales, en ‘Animals’, en la que constantemente se mezcla el catalán con el inglés, Forés construye un singular universo con un pantano, unos bosques y un instituto británico, que permitirá vislumbrar las relaciones que tiene con su entorno el joven protagonista, que vive en una gran casa junto a un hermano mosso d’esquadra.

Película llena de simbolismos y giros en el guion, especialmente a raíz de una fiesta de Halloween en el instituto, es también como un puzzle de espacios y tiempos, en el que no se alude a ninguna ciudad en concreto y a ninguna época. Aunque los actores protagonistas son todos muy jóvenes, también llama la atención la presencia, como uno de los profesores, del británico Martin Freeman.  Tanto Forés como Oriol Pla destacan de Freeman su profesionalidad y su experiencia, así como el convencimiento que mostró desde el minuto cero por este proyecto.

Crítica de ‘The Lords of Salem’. La pesadilla personal de Rob Zombie.

Uno de las películas más esperadas del festival era ‘The Lords of Salem’, de Rob Zombie, ex líder de la banda de metal White Zombie, en la que era su cuarta película y también la más personal. ¿El resultado? Aburrimiento e incluso abucheos (en su pase matinal) en una propuesta de serie B insólita, fallida y sin gancho, que tendría mejor cabida en la programación de tarde de Domingo en una televisión local. Sí, tal como lo leéis.

Se esperaba más del director que había gastado una considerable cantidad de tiempo en la que él mismo había ido apuntando como su gran obra maestra. Este macabro cuento sobre brujería y satanismo se queda en nada, a pesar de tener una correcta y adecuada narración, una llamativa estética con sus guiños y una música extraña y siniestra. Los personajes no nos importan, durante mucho rato nos aburrimos y encima todo es bastante predecible. Y por si acaso no reconocemos el estilo del director, en el trama final asistiremos a una lluvia de constantes delirios al más puro estilo videoclip que no dejarán indiferentes a nadie. Me imagino que ese era uno de los objetivos de Zombie.

Lo mejor: El bizarro y provocador tramo final con imágenes “a lo videoclip”.

Lo peor: Aburre y no tiene gancho.

Puntación: 2/5 Mala

Crítica de ‘No One Lives’. Cojonudo y entretenido slasher.

Esto sí que es sorpresa, sorpresa. De ‘The Cabin in the Woods’ te podías esperar un peliculón porque todo el mundo lo decía (y así fue), de ‘Maniac’ lo podías intuir aunque no estabas seguro (y al final también pasó), pero para nada me esperaba que la cinta de terror ‘No One Lives’ se convirtiera en el tercer sorpresón del festival. El director Ryûhei Kitamura prosigue su aventura americana y nos deja con un cojonudo, ingenioso y entretenidísimo slasher en el que maneja a su gusto todas las convenciones del género habidas y por haber.

En serio, disfrutaréis como enanos. No sólo se os pasará volando sino que disfrutaréis con los elementos que han hecho que triunfe:  muertes que dejaran con la boca abierta, chorretones de sangre, un guión sólido que respeta al género, diálogos para el recuerdo y un asesino tan carismático como memorable. Luke Evans encarna a un asesino de calidad que no se detiene ante nada, ni nadie. Te lo pasas tan bien viéndolo en pantalla que quieres que vuelva a aparecer para matar mientras suelta una frase mejor que la anterior. ¡Quiero una secuela!

Lo mejor: Un guión cojonudo con un asesino en serie aún más cojonudo.

Lo peor: Ahora mismo no le encuentro nada. Es un slasher perfecto.

Puntuación: 5/5 Muy buena

Crítica de ‘Lovelly Molly’. Acojando a media jornada.

Tras revolucionar el fantástico con ‘El proyecto de la bruja de Blair’, el realizador Eduardo Sánchez vuelve a la primera división del género con ‘Lovely Molly’, una historia sobre una casa encantada que a priori pintaba bien. Sí, pintaba, en pasado. Lo que realmente encontramos aquí es un coñazo aburrido que empieza muchísimo mejor de lo que acaba. Quien lo diría, ésta era la cinta esperada del maratón nocturno, pero lo acabó siendo ‘No One Lives’.

Hay que recocer algo: la primera media hora es genial. Resulta tan eficaz como cinta de terror, gracias a su apartado técnico, que los paseos de la protagonista por la casa en penumbra mientras oímos los ruidos de del suelo o las puertas sencillamente te acojonaran y te ponen los pelos de punta. Hasta ese punto la cinta apuntaba maneras y la tensión se aguanta bastante bien, pero llega un punto en que poco a poco irá desvaneciendose hasta que realmente te aburras y no haya sorpresa alguna, menos con el ambiguo y polémico final.

Sánchez apueste por la monotinia y la repetición, haciendo que la progresiva degradación física y mental de la protagonista no nos consiga afectar debido al ritmo tan pausado de la cinta. Y es más, hay algunos momentos en los que la tensión tendría que aflorar en el espectador, pero en lugar de eso se escapa una risa malintencioado.

Lo mejor: El MAL rato que te hace pasar la primera media hora.

Lo peor: Acaba siendo un auténtico coñazo.

Puntuación: Mala 2/5

Ya empezamos con el estrés y las prisas. El cuarto día no ha sido del todo sobresaturado pero no he podido escribir mucho ya que ha tenido de todo: madrugones para ver pelis a las 8 de la mañana, encuentro con directores, dos pesos pesados como ‘The Cabin in the Woods’ y ‘Lo imposible’, y como no el break cinéfilo protagonizado por el clásico del Barça-Madrid.

Por cierto, me he dado cuenta de que escribo demasiado, así que a partir de hoy, o mañana, las críticas serán muuuucho más cortas. Como mucho dos párrafos. Porque ya os digo: no puedo. Y encima mañana me veo NUEVE películas más. Veré si lo consigo…

Crítica de ‘Robot & Frank’. El Quijote de la robótica social.

Ambientada en un futuro cercano, ‘Robot & Frank’ es  una película que mezcla la comedia bien intencionada y una interesante propuesta de ciencia ficción para contarnos una historia entrañable y simpática con una agradable y extraña pareja de protagonista. Además la película trata  con respeto y sacando interesantes reflexiones sobre la enfermedad de Alzheimer que padece el protagonista interpretado por Frank Langella, que por cierto, borda su papel.

La historia en el fondo en sencilla (que no mala), pero gracias a los dos protagonistas, con los que empatizamos en seguida, no nos aburriremos ni perderemos el hilo. Los diálogos entre Langella y el robot son francamente divertidos y hasta profundos, y en ningún momento llegan a cansar como para desconectar. Quizás ésta peque de desarrollarse demasiado rápido en el tramo final, pero eso no quitará que saldremos de la sala con un buen sabor de boca tras ver una adaptación robótica de El Quijote de Cervantes. Sí, ya lo veréis.

Lo mejor: La química de la pareja protagonista.

Lo peor: El último tercio de la película.

Puntuación: Buena 4/5

Sitges House of Méliès: Encuentro con los directores de ‘Iron Sky’, ‘Maniac’ y ‘Storage 24′

En la primera visita del festival a la sala Tramuntana tenía lugar la Sitges House of Méliès, un encuentro con los directores de ‘Iron Sky’, Timo Vuorensola, de ‘Maniac’, Franck Khalfoun y de ‘Storage 24′, Johannes Roberts para hablar un poco sobre la situación de las películas de terror en Europa. La verdad es que eramos muy pocos en la sala ya que todo el mundo estaba en el Auditori para ver ‘Lo imposible’ de Bayona, así que fue un encuentro personal bastante agradable. Vamos, que dio tiempo hasta para charlas con ellos en privado y ¡hacerse fotos!

Como era de esperar hubieron preguntas sobre las películas de cada director, pero también hubo tiempo para hablar sobre los remakes de las películas de terror que tan de moda parece que estén ahora. Su creación, sus motivos, si sirve, si es lo que realmente queremos… En definitiva lo que se tiene y lo que no se tiene que hacer para traernos una buena historia de terror, y más si es un remake.

Crítica de ‘El alucinante mundo de Norman’. 

Animación de calidad. ‘El alucinante mundo de Norma’ demuestra que la nueva producción de la compañía Laika Entertainment (responsables de ‘Los mundos de Coraline’ y ‘La novia cadáver’) no han perdido su toque personal en el stop-motion. Muy divertida, con muchas referencias a otras películas y con crítica social y mensaje final, la cinta nos hará pasar un buen rato y disfrutar con la historia bien narrada.

También es cierto que la cinta sufre de algunos altibajos en el ritmo y que cuando parece que va a acabar, y que debe acabar, sigue estirando el chicle de la trama; pero también es cierto que los niveles de humor son tan elevados, gracias a los personajes secundarios tan bien definidos, que en el fondo no te importa estar viendo más minutos en pantalla.

Lo mejor: La factura técnica y el humor de la cinta.

Lo peor: Los altibajos de ritmo.

Puntuación: Buena 4/5

Crítica de ‘The Cabin in the Woods’. Una fiesta del género de terror con barra libre.

Lo mejor que podéis hacer a la hora de ir a ver ‘The Cabin in the Woods’ es no saber nada de ella. Ni sinopsis, ni tráilers, ni quien sale… ¡nada! Con saber que es una cinta de terror que rompe moldes ya te vale. ¿Es suficiente? Pues sí, porque tras verla no dudas en afirmar que posiblemente se convierte en un film de culto para los amantes del género. Entras a la sala virgen y sales de ella tras haber hecho un trío con dos gemelas. Una metáfora perfecta para un visionado obligado y necesario. 

Es complicado hablar de ella sin revelar las sorpresas, así que dejadme señalar sólo que es un refrescante, divertido, original y sorprendente metarrelato lleno de arquetipos y acumulaciones de situaciones recurrentes del cine de terror. Los minutos avanzan, ves cosas, y no sabes muy bien qué demonios esta ocurriendo (se pilla más adelante al verla) pero esos momentos de incertidumbre y de fe ciega en una pelicula que es una cosa y aparenta otra, se compensan con una última media hora magistral que desata pasiones a los fans.

Lo mejor: Ir a verla sin saber nada de ella. La última media hora.

Lo peor: Los momentos de incertidumbre de no saber que estás viendo.

Puntuación: 5/5 Muy buena

Crítica de ‘Lo imposible’. El tsunami emocional de Bayona.

Maldito Bayona… Cinco años después de debutar con ‘El orfanato’, el director catalán regresa al festival con una cinta tan esperada como efectiva. ‘Lo imposible’ mezcla a la perfección el cine de catástrofes, usando una brutal e impactante puesta en escena y un diseño de producción apabullante, y el de la tragedia familiar, en el que nos subiremos a su particular montaña rusa de emociones. Preparad kleenex, sí.

‘Lo imposible’ te llega, te estremece, te pone la lagrimilla en los ojos y te agarra desde los primeros minutos desde que aparece el tsunami. Es cierto que puede que se pase de rosca en varios momentos para enfatizar el drama y desquiciar los nervios del espectador, pero en el fondo éstos truquitos acompañan bien a la historia y son llevados a la perfección por el trió protagonista. Un trío que lo da todo y se deja la piel.

Ewan McGregor y Naomi Watts demuestran una vez más porque son tan buenos actores, mientras que el joven Tom Holland destaca y sobresale como el pratagonista revelación de la cinta, llevándose en muchas ocasiones el peso y el drama de la historia. A ver, está claro que una película sobre el tsunami de 2004 tiene que ser impactante y sobrecogernos (que lo es), pero más allá de eso, la chicha de la película está en el umbral de emociones de los protagonistas. Y nos llegan a través de sus ojos, sus expresiones, que denotan el dolor y el temor sufrido en pantalla.

Como diría definiría perfectamente Kent Brockman, de ‘Los Simpson’, la película de Bayona te nubla la mente y te llega al corazón. Así de claro.

Lo mejor: Toda la puesta en escena y el diseño de producción.

Lo peor: Te hace llorar.

Puntuación: Muy buena 5/5

Crítica de ‘The Viral Factor’. La potencia sin control no sirve de nada.

Dante Lam, el más occidental de los directores orientales, vuelve  ‘The Viral Factor’, una superproducción hongkonesa que pintaba bien. Dirigida con dureza, sin concesiones, y espectaculares secuencias de acción son el protagonista principal. El problema es que también se centra en la redención, el amor y el drama familiar, y esos elementos bajan muchísimo la calidad de la cinta.

Es decir, como película de acción cumple. Ya os digo las escenas de persecuciones en coche, tiroteos, peleas cuerpo a cuerpo y demás tienen gran calidad, están muy bien dirigidas y liberan adrenalina por todos lados, pero el guión, eso ya es otra cosa. Todo es forzado y rebuscado, algunas cosas son un cúmulo de despropósitos, y cuando el ritmo se rompe en los momentos dramáticos es cuando te baja a -1 toda la adrenalina que tenías. Y cada ves lo hará más hasta un final inverosímil.

Lo mejor: Las secuencias de acción.

Lo peor: Las bajadas de ritmo por los diálogos y el drama familiar.

Puntuación: Aprobado justo 2,5/5

P.D: Os dejo la fotico, ya como curiosidad, de como estuve mirando el Barça-Madrid en el bar de Melià rodeado de famosetes. En la foto está el director del festival Àngel Sala dándolo todo.